Las ilustraciones están impresas en tela de algodón y los colores resultan espectaculares. Son mucho más bonitas que en la pantalla.

Me costó decidirme, ya que tiene ilustraciones preciosas. Algunas de mis preferidas son: “Every Boy is a Superhero Sometimes“, “Good Night Wishes“, “Even Superheroes Need a Break“, “Flora and Fauna“, “You Make Me Happy“, “Freefall“, “Family Sweet Family” y “Holding on“.

¡Feliz 2010 artístico!

En Dumbo, además de disfrutar de parques con vistas espectaculares como el Brooklyn Bridge Park, también es un lugar donde encontrar arte. No pude entrar en Dumbo Arts Center (DAC) ya que estaban preparando una exposición. Pero visité algunas de las 14 galerías de 111 Front Street Galleries.

La primera cooperativa para mujeres artistas en Estados Unidos está allí, AIR Gallery (Artists in Residence) que fue fundada en 1972.

Allí encontré la obra “I love you. Yes you. I really, really love you. You too” de Monica Carrier. Me gustó especialmente por la cantidad de detalles que encuentras al observarla de cerca.

También destacaría los dibujos “Rock Stars” de Barbara Siegel y su manera de presentarlos en “Stone Books #1-5″ y “Forty-Eight”.

Y en Randall Scott Gallery, las fotografías “In between” de Julia Fullerton-Batten que parece haber detenido el tiempo en un momento de suspensión.

Brooklyn es un distrito de New York muy conocido a través del cine y la literatura, donde parece ser se estan produciendo grandes cambios. Pero en sus calles del Centro, Dumbo y Brooklyn Heights, no había la vidilla artística que esperaba encontrar…

¡Qué delicia! Poder contemplar en un  mismo lugar sus distintas facetas.

Nunca antes había visto las bailarinas de Degas, únicamente en fotografías. Es mi referente en el uso del pastel. Y poder ver de cerca sus pasteles, aún lo hace más grande a mis ojos. Le tub (1886) es uno de mis preferidos.

A Degas lo consideran un impresionista atípico que muestra la realidad sin ideales, rompiendo con la tendencia y quien presenta el universo cotidiano que rodea a la mujer de finales del s.XIX. Es en lo común donde está la gracia.

Fue innovador en diferentes aspectos: mostrando a las mujeres en sus quehaceres diarios, el uso de la perspectiva, la mirada desde arriba, el uso estético del vacío (que conoció en la estampa japonesa), mostrar el movimiento… Sólo había que mirar.

Lo que más le importaba era el proceso: Mi arte no tiene nada de espontáneo, es todo reflexión. Y le daba tanta importancia, que exponía los óleos junto a los dibujos y pasteles de los que habían surgido. Era un gran observador de la figura humana.

Dejó el óleo por el pastel, consiguiendo una técnica de envejecimiento del material destinada a que la obra no se viese alterada con el paso del tiempo.

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En la escultura encontró el medio para poder mirar mejor la realidad y avanzar en sus cuadros. Estaba muy interesado en el estudio del movimiento y modelaba figurillas con cera para después dibujarlas. En los últimos años de su vida, debido a su paulatina pérdida de visión, la escultura fue su único material de trabajo.

Evita el bronce porque es un material concluyente y La obra de arte nunca es definitiva. Hoy podemos contemplar sus bronces gracias al trabajo de Palazzolo en la fundición Hébrard, realizado tras la muerte de Degas y la obra encontrada en su taller.
También fue un apasionado de la fotografía, de la que aprendió a realizar encuadres selectivos. Se basó en las fotos de Muybridge (Animal Locomotion) para estudiar el movimiento de los caballos.

Más de la mitad de su obra se dicada a las bailarinas y escenas relacionadas con el ballet, unas 1.500 creaciones.

La escultura Pequeña bailarina de catorce años es espectacular, con su tutú y coletero reales. Cuando la dió a conocer en 1881 fue rechazada por la crítica y el público. Presentarla junto a un pastel con la fisionomía de unos famosos criminales no ayudó. Yo, me la llevaría a casa.

Las obras, recogidas durante largos años por la galería, pertenecen a varios momentos vividos por Picasso, de 1898 a 1971.

Al entrar, Horta de Sant Joan (1898), la obra que más me gustó y que Picasso dibujó con 17 años mientras estuvo en este pueblo catalán. El azul es espectacular.
La exposición cuenta con dedicatorias personales del artista, retratos, etc.

Una maravilla haber podido ver estos Picassos menos conocidos. Me recordaron a un libro que leí hace poco, El cuadro perdido de Picasso de Eugenia Tusquets.

Si pinchas aquí podrás ver fotografías de 7 obras.

Es una colección privada y recopilada por Hans Pels-Leusden. Cuenta con litografías, grabados, carteles, tallas de madera, esculturas y dibujos.

Un gran encuentro con la obra de Käthe Kollwitz (1867-1945), una de las artistas más punteras de Alemania. Pacifista y socialista, considerada una de las mejores artistas del s.XX y desconocida hasta entonces por la que escribe.

Su obra habla por si sola, no necesita explicación. Si la miras, no puedes eludirla o evadirte de ella, tiene una gran fuerza.

Una visita que requiere su tiempo, en cada planta y en cada sala de este edificio se cuenta un pedacito de la historia de la humanidad, que no deja de repetirse. Tienes que parar para tomar aire de nuevo y respirar, porque se te encoge el alma al ver la obra de esta artista, de gran expresividad. Es una explosión de sentimientos encontrados que te pone los pelos de punta.

Expresa el sufrimiento humano, lucha contra la injusticia de la guerra, nos habla de la pobreza, el hambre, las madres y los hijos, las despedidas… y la muerte, tema principal de su obra. Su hijo Peter murió en la primera guerra.

The Volunteers (1920), muestra a un grupo de jóvenes abrazados y a su lado, les sigue la muerte.
En la serie de grabados en madera War (1922-1923) o la litografía Never again War (1924), de nuevo la muerte.
Y con obras como el bronce Tower of Mother (1938-39), el grabado Woman with Dead Child (1903) o la litografía Mothers (1919), reflejan la fortaleza y valentía de las madres.

A lo largo de su vida realizó autorretratos. ¿La búsqueda de sí misma?

Unos días antes, en el patio interior del Wache (Nuevo Cuartel) en Mitte, vi la escultura en bronce Pietà, una madre sosteniendo entre sus piernas a su hijo muerto. Bajo esta sala, iluminada por una claraboya, reposan los restos de un soldado desconocido y los de un combatiente de la Resistencia, junto a la tierra de  nueve campos de batalla europeos y campos de concentración. Es un monumento a las víctimas de todas las guerras, el fascismo y militarismo.

Me despido con unas palabras de la artista:

“My work is not pure art. Nevertheless it is art. Every artist works in his own vein. I want my art to serve a purpose: I want it to have an impact in this day and age, when people are so desperate and in need of help”
(Käthe Kollwitz, Diary, December 4th 1922).

En 1989, Keith Haring nos dejó un muro hablado de 30m de largo en la plaza de Salvador Seguí del barrio del Raval de Barcelona. Decía: Todos juntos podemos parar el SIDA. Fueron 5 horas de trabajo al ritmo de house.
La obra fue destruida y únicamente el Macba conservó su calco. Pero, gracias a los DJs de Melero y su cámara súper 8, quedó registrado. La película se ha podido ver en esta exposición.
Su obra es una maravilla visual. Realmente este hombre supo expresar con estas sencillas siluetas y variedad de colores, su mundo, el nuestro.

Desde sus inicios en el metro de Nueva York con una tizas, consiguió llegar hasta las galerías y los museos.
¿Quién no reconoce estas figuras?
Lo definen como graffitero, artista callejero, popart… ¿Realmente hace falta definirlo?
Fue una explosión artística en los ochenta que únicamente pudo ser detenida por su pronta muerte a manos del SIDA.

Me ha gustado poder ver su obra a lo grande.

Por cierto, grata sorpresa descubrir el espacio que tiene Centre Cultural Caixa Terrassa.
¡Hasta la próxima!

Entra en la exposición homenaje que hacen al dibujante Francesc Vila Rufas:
Cesc. La fuerza del trazo. ¡Qué caña!

Una explosión de ideas, actitudes, pasiones, sentimientos… en unos pocos trazos.

Al final te espera una sorpresa, un vídeo con la animación de sus dibujos. Como poco, te sacará una amplia sonrisa.

Además de sus divertidos dibujos también encontrarás sus pinturas, menos conocidas por el lector de los periódicos y otros medios donde se publicaban sus chistes gráficos.

La aparente sencillez de su trazo lo hace especial.

¡Buenísimo!

Como siempre, una lástima hacer los homenajes cuando el artista ha muerto.

La Colección Prat es una de las colecciones privadas más importantes dedicadas al dibujo francés de los siglos XVII, XVIII y XIX. Una selección de 100 dibujos, de los 230 de la colección, de autores como Antoine Watteau, Jacques-Louis David, Ingres, Eugène Delacroix, Manet, Edgar Degas, Nicolas Poussin, Seurat o Paul Cézzane, etc.

Louis-Antoine Prat heredó la colección de arte de su padre cuando era niño. Estudió historia del arte en la escuela del Louvre de París, trabajó en los archivos de dibujo del Museo del Louvre y a los 30 años (1974) compró su primer dibujo, un Delacroix. La colección la fue formando al vender o intercambiar todos los dibujos de su padre, exceptuando uno, debido al momento histórico que representa: Una acuarela de Isabey que muestra la reina Victoria recibiendo a Luis Felipe a bordo de su velero real (1843). Una obra llena de detalles.

El dibujo es la primera fase del astista, como más inmediata, solo basta un lápiz y un papel para trazar una idea.

En algunas láminas podemos ver las etapas del proceso creativo. Incluso han expuesto algunas de las obras al óleo, pudiéndose comparar con el dibujo inicial que les servía de estudio.

El estar ordenadas cronológicamente ayuda a ver la evolución del dibujo: las técnicas, los materiales, los motivos o temas, los estilos, etc. Por ejemplo: La Fosse obtiene volumen usando tres colores y Ingres utiliza el lápiz duro para hacer los detalles en sus retratos.

Destacaría a Victor Hugo y su obra La tempestad (1865?), parece que se adelantó a su tiempo. Utiliza manchas de tinta, rasga con la mano…

Me han gustado especialmente las obras de Pierre-Paul Prud’hon:
- La Fortuna (1799-1800), a la que le tapan los ojos.
- Psique raptada por los céfiros (1804). Parece una fotografía y nos cuenta: La belleza de Psique, una mortal, provocó los celos de Venus, que ordenó a su hijo Cupido (el Amor) que la abandonara en lo alto de una montaña. El Amor se quedó prendado de ella e hizo que Céfiro, hijo de Eolo y de la Aurora, la raptara y se la llevara a su morada. Cupido logró salvarla y se la llevó al Olimpo. Céfiro y tres amorcillos portan el cuerpo iluminado por la luna.
- El alma rompiendo los vínculos que le unen a la tierra (1821). Constance Mayer, su amante, se suicida en su estudio en 1821 cuando él le dijo que no se casaría con ella. Representa el alma del artista, abandonando la tierra, tras el acontecimiento. También pudimos ver el óleo. Él muere en 1823.

Otros dibujos a destacar:
- Hoja de estudios de animales, figuras y edificios (1635), de Nicolas Poussin, en pluma y tinta marrón.
- La Academia, de Charles Le Brun.
- Busto de mujer, de perfil y con una urna (1644), de Simon Vovet.
- Retratos de dieciséis hombres (1790-1796), de Louis-Léopold Boilly. Magníficos.
- La enamorada al piano (1827-30), acuarela de Delacroix.
- La cardadora de lana (1855-56), carboncillo de Millet.
- Limpiabotas con un cliente (1884-86), lápiz conté de Seurat. Puntillismo, como manchas y sombras.
- Cabeza suspendida de una cadena (1881-86¿?), carboncillo de Odilon Redon. De gran simbolismo, muy negro. Borra para hacer los blancos.
- Los grandes árboles (1890-1900), de Cézanne. También se mostraba el óleo sobre tela, de 1904, de la National Gallery of Scotland.

Una cosa que no me ha gustado de los coleccionistas es la marca que ponen en los dibujos, los estropean.

¡A dibujar!

En él, a través de conversaciones imaginarias con su madre, nos habla del arte, los artistas y todo lo que les envuelve. Nos pasea por salas de museos, nos muestra obras de arte, artistas en acción, lo que piensa de todo ello y de una manera muy particular.
La historia comienza con la vuelta a casa de Juanjo y su compañera Vanessa de una de las catedrales del Arte, el Guggenheim de Bilbao. Se lo recomienda a su madre, pero ella le contesta que “no entiende”. A partir de aquí, un montón de conversaciones en las que aparecerán artistas como Calder, Miró, Tàpies, Picasso, Warhol, Dalí o Chillida.

A través de sus sencillos dibujos, personajes sin rostro, el uso del color, su manera de explicar la historia, su letra con los tachones correspondientes, su particular humor… hace que lo leas de un tirón.

Algunas ideas contenidas en el libro:
“…el arte es tan infinito y múltiple como personas hay en este mundo”
“…el arte no solo se limita a los museos y galerías, es mucho más”
“…cualquier obra que se haya hecho sin creatividad, sensibilidad, ni intuición no es nada. Es un ejercicio de virtuosismo vacío. El virtuosismo por sí solo no es arte, eso sí, puede resultar asombroso”

Podrás o no compartir sus opiniones, pero te sacará una sonrisa como poco.

¡Viva el Arte!

SkiZ.o nos ilustra la vida casi a diario con su variedad de personajes: pajarito adicto a la colaloca, diablillos, rubias mutantes, alien, florecillas “silvestres”, e-VilWoman, tiburón y otros animalillos diversos en su esencia, ángel, vampiresa mujer y muchos más. La protagonista principal, sin dudarlo, SkiZ.o. Aunque comparte este lugar con el adictivo Chocolate.

Nos pasea por lugares como: Wonderland, the beach, el sueño de la razón, the dark side of the moon, el espacio exterior, su casa, la jungla… Y comparte un montón de sensaciones de su día a día.

También nos sorprende con sus giños a obras de arte muy conocidas de grandes creadores como Munch, Goya…

¿Quién es SkiZ.o? Descubridlo vosotros mismos. Entrad en su mundo.

SkiZ.o, gracias por compartir tus creaciones.