Llegué a ella a través de un reportaje en la tele. Me atrapó el uso de la luz en sus esculturas, además del hecho de utilizar su casa para mostrar su obra. Contacté con ella y nos abrió sus puertas a Maribel y a mí.

El estudio donde trabaja es increíble, amplio y luminoso. En él están sus barcos, que próximamente “navegarán” a Ibiza y donde mucha gente podrá disfrutarlos (su rostro sonríe cuando nos lo cuenta). Me gustaría verlos sobre la mar nocturna… Los reflejos en el agua tienen que ser un regalo para los ojos.

En su casa de Vallvidrera ha creado un mundo de luz, donde cada espacio transmite sensaciones diferentes con cada una de sus esculturas. Y al caer la noche… Se descubre su “secreto”…

Su experiencia vital, aventurera durante los setenta recorriendo África, Ásia y América del Sur, su pasión por el arte antiguo, su manera de entender y vivir la vida, hace que disfrute al máximo sus momentos frente al mediterráneo y se siente afortunada de sus encuentros. Próxima cita: una casa de piedra en un pueblito de Asturias. ¿Qué resultará de esta nueva vivencia?

Raquel, muchas gracias por ofrecernos tu tiempo y hospitalidad.

Las tardes como ayer me animan a continuar trabajando con mi arte, disfrutándolo al máximo a pesar del poco tiempo que le puedo dedicar.

El tesoro funerario del faraón Tutankhamón se muestra ante nosotros tal y como fue encontrado por  Howard Carter en 1922, quien dijo: Al entrar por primera vez en una habitación como ésta, cuya intimidad no ha sido violada por más de treinta siglos, el intruso siente cierta reverencia, o incluso temor.

La muestra contiene reproducciones a escala original, únicas en el mundo, de tres de las cuatro cámaras funerarias de Tutankhamón.

También se pueden contemplar más de 1.000 réplicas de piezas del ajuar funerario, llevadas a cabo por unos 100 artesanos egipcios siguiendo las técnicas tradicionales. Un trabajo muy laborioso y digno de reconocimiento.

A nivel artístico, el Antiguo Egipto fue asombroso y de una belleza delicada que contrasta con el tamaño de sus monumentos. Algún día os hablaré del arte milenario que se conserva en Egipto.

Si estás mínimamente interesado en el arte del Egipto de los faraones, hay que pasar por el Museu Marítim de Barcelona y dejarse llevar.

Una recomendación, haced la visita a primera hora. Pasada una hora, la cantidad de gente que dejan entrar hace que no puedas disfrutarla.

¡Qué delicia! Poder contemplar en un  mismo lugar sus distintas facetas.

Nunca antes había visto las bailarinas de Degas, únicamente en fotografías. Es mi referente en el uso del pastel. Y poder ver de cerca sus pasteles, aún lo hace más grande a mis ojos. Le tub (1886) es uno de mis preferidos.

A Degas lo consideran un impresionista atípico que muestra la realidad sin ideales, rompiendo con la tendencia y quien presenta el universo cotidiano que rodea a la mujer de finales del s.XIX. Es en lo común donde está la gracia.

Fue innovador en diferentes aspectos: mostrando a las mujeres en sus quehaceres diarios, el uso de la perspectiva, la mirada desde arriba, el uso estético del vacío (que conoció en la estampa japonesa), mostrar el movimiento… Sólo había que mirar.

Lo que más le importaba era el proceso: Mi arte no tiene nada de espontáneo, es todo reflexión. Y le daba tanta importancia, que exponía los óleos junto a los dibujos y pasteles de los que habían surgido. Era un gran observador de la figura humana.

Dejó el óleo por el pastel, consiguiendo una técnica de envejecimiento del material destinada a que la obra no se viese alterada con el paso del tiempo.

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En la escultura encontró el medio para poder mirar mejor la realidad y avanzar en sus cuadros. Estaba muy interesado en el estudio del movimiento y modelaba figurillas con cera para después dibujarlas. En los últimos años de su vida, debido a su paulatina pérdida de visión, la escultura fue su único material de trabajo.

Evita el bronce porque es un material concluyente y La obra de arte nunca es definitiva. Hoy podemos contemplar sus bronces gracias al trabajo de Palazzolo en la fundición Hébrard, realizado tras la muerte de Degas y la obra encontrada en su taller.
También fue un apasionado de la fotografía, de la que aprendió a realizar encuadres selectivos. Se basó en las fotos de Muybridge (Animal Locomotion) para estudiar el movimiento de los caballos.

Más de la mitad de su obra se dicada a las bailarinas y escenas relacionadas con el ballet, unas 1.500 creaciones.

La escultura Pequeña bailarina de catorce años es espectacular, con su tutú y coletero reales. Cuando la dió a conocer en 1881 fue rechazada por la crítica y el público. Presentarla junto a un pastel con la fisionomía de unos famosos criminales no ayudó. Yo, me la llevaría a casa.

Son creaciones del dibujante y escultor zamorano Baltasar Lobo, más conocido fuera de nuestro país.

Basta con decir que 12 de las esculturas provienen de colecciones privadas de Miami y 2 de Italia.

Cada día lo tengo más claro, si no te mueves en el mundo artístico, únicamente te llega lo que algunos deciden que te ha de llegar.
O simplemente soy una inculta, teniendo raíces zamoranas y no conocer la obra de Baltasar Lobo.

La exposición está organizada por Caja Duero, sumándose al carro de “arte en la calle”. ¡Qué bien!

Empezó en Valladolid, siguió por Sevilla, Madrid y ahora está en Lisboa.

Me gustan las mujeres de Lobo, cómo las muestra, los volúmenes que utiliza, lo que expresan… Y además se podían tocar. En un museo nunca te dejarían hacerlo, la mayoría de lss veces ni fotografiarlas. Y estas esculturas se han de tocar, el tacto que tienen forma parte de la obra. ¡Más arte en la calle!

En la calle nos abordó una mujer diciéndonos que la familia Lobo llevaba años intentando que el artista tuviera su propio museo. Así, Baltasar Lobo y su obra serían conocidos por la gente de su propio país.

Parece ser que en Zamora está el Museo Baltasar Lobo, pero es una instalación provisional en la Iglesia de San Esteban, a la espera de crear un espacio adecuado en el Castillo de la ciudad. ¿Será finalmente posible?

Juli, artesano del metal, se marcha a París para desarrollar su carrera como pintor. Consigue ser “el escultor del hierro” pasados sus 50 años, dominando la soldadura autógena y tras su colaboración con Picasso. Post mórtem, como tantos otros, regresa a Barcelona.
¡Ya era hora!

Únicamente conocía las esculturas en hierro, realizadas en la última década de su vida. Me recordaban a Gargallo. Pero desconocía el resto de su obra, sus orígenes en el taller de metalistería de su padre y su evolución en París.

Su lenguaje escultórico es lo que más me atrae, el uso del vacío para dar forma a sus creaciones. Él lo definía como “dibujar en el espacio”.

Podemos ver más de 200 obras, gracias a las donaciones de su hija Roberta al MNAC y al MNCARS, a coleccionistas privados y al IVAM que conserva el mayor conjunto de obras de Julio en España. Son esculturas en hierro, bronces forjados, pinturas, dibujos y piezas decorativas, procedentes de Europa y América, que cubren todas las etapas creativas del artista.

Para acabar, una frase muy significativa del artista:

“La edad de hierro empezó hace siglos produciendo (desgraciadamente) armas, algunas muy hermosas. En nuestros días permite, además, la construcción de puentes y vías férreas. Ya es hora de que el hierro deje de ser mortífero y simple instrumento de una ciencia mecánica: la puerta está completamente abierta hoy para que al fin este material sea forjado y batido por las  pacíficas manos de los artistas.”

(Picasso et les Cathedrals. Picasso sculpteur, manuscrito 1931-1932).

La exposición Julio González. Retrospetiva estará en Barcelona hasta el 25 de enero de 2009 y en Madrid se podrá ver en el MNCARS (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía) a parir del 11 de marzo.

Es una colección privada y recopilada por Hans Pels-Leusden. Cuenta con litografías, grabados, carteles, tallas de madera, esculturas y dibujos.

Un gran encuentro con la obra de Käthe Kollwitz (1867-1945), una de las artistas más punteras de Alemania. Pacifista y socialista, considerada una de las mejores artistas del s.XX y desconocida hasta entonces por la que escribe.

Su obra habla por si sola, no necesita explicación. Si la miras, no puedes eludirla o evadirte de ella, tiene una gran fuerza.

Una visita que requiere su tiempo, en cada planta y en cada sala de este edificio se cuenta un pedacito de la historia de la humanidad, que no deja de repetirse. Tienes que parar para tomar aire de nuevo y respirar, porque se te encoge el alma al ver la obra de esta artista, de gran expresividad. Es una explosión de sentimientos encontrados que te pone los pelos de punta.

Expresa el sufrimiento humano, lucha contra la injusticia de la guerra, nos habla de la pobreza, el hambre, las madres y los hijos, las despedidas… y la muerte, tema principal de su obra. Su hijo Peter murió en la primera guerra.

The Volunteers (1920), muestra a un grupo de jóvenes abrazados y a su lado, les sigue la muerte.
En la serie de grabados en madera War (1922-1923) o la litografía Never again War (1924), de nuevo la muerte.
Y con obras como el bronce Tower of Mother (1938-39), el grabado Woman with Dead Child (1903) o la litografía Mothers (1919), reflejan la fortaleza y valentía de las madres.

A lo largo de su vida realizó autorretratos. ¿La búsqueda de sí misma?

Unos días antes, en el patio interior del Wache (Nuevo Cuartel) en Mitte, vi la escultura en bronce Pietà, una madre sosteniendo entre sus piernas a su hijo muerto. Bajo esta sala, iluminada por una claraboya, reposan los restos de un soldado desconocido y los de un combatiente de la Resistencia, junto a la tierra de  nueve campos de batalla europeos y campos de concentración. Es un monumento a las víctimas de todas las guerras, el fascismo y militarismo.

Me despido con unas palabras de la artista:

“My work is not pure art. Nevertheless it is art. Every artist works in his own vein. I want my art to serve a purpose: I want it to have an impact in this day and age, when people are so desperate and in need of help”
(Käthe Kollwitz, Diary, December 4th 1922).

Al entrar, nos recibe una instalación de perfecta armonía, abanicos de seda y bambú colgados con hilos de cobre. Son el Viento mudo de Qin Yufen.

La muestra presenta unas ochenta obras, entre pinturas, fotografías, esculturas e instalaciones, creadas por más de 40 artistas.

Los artistas chinos, a través del concepto Yi , han respondido a los cambios sociales y culturales acontecidos en los últimos 30 años. Y en esta exposición se puede apreciar el cambio producido en el arte chino a lo largo de estos años.

El Yi representa el estado de contemplación y meditación de los creadores. Se empapan de una realidad, la viven y finalmente, en su estudio, la vuelven a crear. Es su realidad.

Podemos ver obras de gran colorido, muy diferentes al blanco y negro al que se asoció su imagen durante años. Esculturas geniales de figuras geométricas que me recordaron al juego del Lego.

Como despedida, el maximalismo oriental. Esas obras repetitivas que seguro te llevan a un estado de meditación mientras las creas y que me recordaron a los mantras hindús o budistas. ¡Una locura!

Me quedo con la obra de Li Huasheng.
Como siempre, os recomiendo la visita guiada. Hasta el 21 de septiembre.

Arte, mucho arte, siempre arte.

Espacialmente es impresionante. Recorres 17 habitaciones y algún espacio más, donde sus instalaciones, esculturas, dibujos… esperan a ser observados (¿con los ojos cerrados?). Arte auténtico y generoso. Es ese arte que de vez en cuando te vuelve a la memoria sin saber porqué. Creo que todavía no lo he asimilado.

El tamaño de las esculturas hace que las sientas más cercanas, incluso les preguntarías por pura curiosidad. Nos muestra su visión del ser humano, sus sentidos ignorados… o incluso ignorantes. Nos desnuda ante nosotros mismos, como un espejo. Hace que te asomes a tu interior más básico, al olvidado.
Nos cuenta historias, nos cuenta silencios… Creo que soy incapaz de explicarme.

Pude pasear entre sus 100 figuras “chinescas”, bueno 99 -una de ellas sufrió un derribo accidental- y contemplar ensimismada la particularidad de cada expresión en sus rostros y en sus cuerpos. Y el juego que se crea entre ellas, esa complicidad… Te hacen reir.

De los dibujos destacaría esa manera de unir unos con otros y el ir descubriendo uno dentro de otro. También el uso del blanco y negro. De las esculturas, añadir la particularidad de las que en lugar de piernas tienen esa base característica de los tentetiesos, especialmente la que está escuchando apoyada en la pared y las que conversan.

Como siempre, mi falta de conocimientos artísticos hace que me pierda las posibles relaciones existentes entre su obra y la de otros artistas. Pero la experiencia de contemplar sus creaciones y estar allí ha sido muy especial. Lo mejor de la Tate.

Una buena noticia, la exposición viajará al Guggenheim de Bilbao el 27 de mayo y se podrá visitar hasta el 28 de septiembre.
No te la puedes perder!!!

Te recibe Nandi, el toro sagrado de Shiva, que da paso a la naturaleza y sus serpientes (significan agua). Luego te encuentras con infinidad de dioses del hinduismo, templos, reliquias, procesiones, el Buda, la “no violencia” del jainismo…

Las esculturas están asociadas a lo sagrado. Las tres deidades principales del hinduismo son: Shiva (encarnación de la energía creadora y de sus semillas de la destrucción), Vishnú (protege al universo de las fuerzas de la desintegración y restablece el orden periódicamente) y Devi (personificación del poder femenino). Todas ellas tienen numerosas manifestaciones: Fantástico!

La mayoría de estas esculturas pertenecen a la etapa de mayor construcción de templos monumentales (VI-XVI). Están realizadas en distintos estilos y materiales (piedra, arcilla, metal, madera…). Destacaría que nos muestran emociones. El rasa, placer estético, es la cualidad del artista en captar la esencia emocional de un momento.

Os explicarán el mito de la creación al encontraros delante del Santuario de Vishnú Ananta. Veréis a Shiva Nataraja, el señor de la danza; a Kali, la destructora del tiempo, con sus 18 brazos; a Ganesa, el hijo de Shiva. Lo que más me ha gustado es el gesto de alguno de ellos, pisoteando a la ignorancia: Genial!

Del jainismo me quedo con la fachada del santuario realizada en madera de teca (XVII-XVIII): Espectacular! Y del budismo, con la expresión de Buda: Serenidad.

Os quedan un par de días para entrar en el mundo de los dioses indios y sus templos escultóricos. No hace falta ir muy lejos, en el Caixa Forum Barcelona. Disfrutad de la visita comentada del sábado (a las 11h y a las 20h), muy recomendable.
A mi regreso de tierras indias, más sobre su arte callejero.

Se trata de la guardia del mausoleo que Yin zheng (259 a.C.), fundador del gran Imperio Qin y primer emperador chino, mandó construir a los 13 años.

En 1974 unos campesinos del pueblo de Siyang se encontraron con semejante obra de arte cuando buscaban agua para combatir la sequía. Uno de estos campesinos se dedica a firmar el libro Despertado el ejército de terracota Qin en el museo.

Si visitas la ciudad de Xian, además de su muralla, no puedes perderte un paseo recorriendo su barrio musulmán y entrar en La Gran Mezquita (año 742).

El arte de crear los guerreros de terracota
Se construían a tamaño natural, pieza a pieza.

Cada figura es diferente. Los autores tenían que dejar su nombre en la obra “para comprobar su fidelidad”. Hay diferentes calidades, según los talleres originales.
Primero se escoge y se lava la tierra-loess, se mezcla con caolín y con arena para hacer una buena masa.
La figura humana se hace de abajo a arriba. Primero una plataforma de base, luego los pies y las piernas, el cuerpo hueco y los brazos. La cabeza y las manos se hacen aparte y luego se unen al cuerpo.
Se secan a la sombra, se cuecen en buenos hornos a 950-1050ºC y se pasa a policromar (rojo, verde y púrpura).

Las pinturas, después de 2.200 años enterradas y al contactar con el aire fresco, se secan o se pierden porque se descompone la capa orgánica adherente que les sirve de base.

Todavía quedan muchas zonas por desenterrar, esperando nuevas tecnologías para evitar que los colores se descompongan al entrar en contacto con el aire.

Un poco de historia
Ying zheng (259 a.C.) heredó de su padre la causa de la unificación de la nación. Fundó el gran Imperio Qin y a los 39 años logró la unificación nacional. Se trata del primer emperador chino.
Fue quien acabó con el sistema de los feudos y dividió el país en provincias y municipios, adoptó un patrón para las medidas, los pesos y las capacidades, activó las comunicaciones interprovinciales y dejó regulada y simplificada la escritura. Pero también mandó quemar todos los libros confucionistas y los de historia que no le convenían, para un solo pensamiento y una sola cultura. Por ello también llegó a masacrar a numerosos intelectuales.
Cuando tenía 13 años murió su padre y comenzó la construcción de su propio mausoleo que duró 38 años. En el 209 a.C. tuvo lugar la primera rebelión campesina que acabó con la dinastía Qin. Los arqueólogos mantienen la hipótesis que después de la muerte del emperador pudo haber robo o saqueo masivo de las armas.

El museo del ejército de terracota se abrió en 1979 con la primera de las tres fosas, en 1989 la tercera y en 1994 la segunda. Estas fosas son la guardia del mausoleo:

Fosa 1. Ejército de infantería con carros de combate. 230m*62m. Consta de 38 columnas de soldados, los laterales protegen los flancos, la vanguardia está formada por 204 arqueros y la retaguardia. Un total de 6.000 figuras de guerreros y 45 carros de combate, cuádriga romana.

Fosa 2. Carros, infantería, caballería, arqueros o ballesteros. Un total de 6.000m2 con más de 1.300 guerreros, caballos con 89 carros de madera, un total de 4 ejércitos.

Fosa 3. El estado mayor. 520m2.

A día de hoy, todavía continúan las excavaciones.