En la pintura sumi-e tiene gran importancia expresar el sentido del vacío y de la plenitud. Con esta técnica aprendemos a captar la esencia de la naturaleza con la mente y el corazón, transmitiéndola a través de los cuatro tesoros: pincel, tinta, tintero y papel.

En el taller empecé a conocer estos tesoros de estudio y como manejarlos. Hsiao me enseñó a dibujar bambú, que simboliza humildad, valentía y juventud. Primero empezamos por la caña del bambú, luego sus nudos, las ramas y finalmente, para mí es lo más complicado, las hojas.

Cuando ves a Hsiao Lin Liu como maneja el pincel… Parece tan fácil. Pero nada parecido, realmente has de estar contigo en todos los sentidos para que fluya el movimiento hasta el pincel, llegar a controlar el agua, la tinta y conocer el papel. Es todo un arte.

¿Me atreveré con las orquídeas, ciruelos, peces y gambas?

Sobre estas líneas, una parte de la monumental tela tachista A la Galette (1906) que fue dividida en seis cuadros independientes y de los que solo pudimos ver tres. Me llamó la atención su composición, además de los colores. También la composición de Paraguas o Cuatro personas dándose prisa bajo la lluvia (1903), y la sensación de movimiento que produce.

Este holandés oscuro, se estableció en París donde fue iluminando su obra. Por un tiempo tuvo que dejar la pintura por problemas económicos y se dedicó al dibujo y a la ilustración, participando en revistas. Allí estableció amistad con Picasso y compartió modelo, Fernande Olivier, a quien retrata.

Destacaría los retratos de las mujeres, realizados en París (inicialmente a prostitutas y luego a grandes personalidades) y en sus viajes por Andalucía. También los colores contundentes, especialmente los rojos, de su autoretrato fauvista.

El óleo en tela de casi 2 metros cuadrados, El tango del arcángel, y que acompaña estas líneas es espectacular.

Han tenido que pasar muchos años para que la obra de Kees Van Dongen vuelva a Barcelona, desde su exposición individual en la Galería Dalmau en 1915.

Lo celebran con una exposición del creador del espacio Frank Lloyd Wright: From Within Outward. En un paseo por la espiral mareante, se muestran 64 proyectos diseñados por el arquitecto, a través de dibujos originales, maquetas y animaciones digitales. Algunos de ellos nunca llegaron a hacerse realidad.

El diseño de alguna de sus obras es alucinante. Sin tener nada que ver aparentemente con el entorno, no desentonan y logra que formen parte de él. A pesar de todas sus geometrías y desniveles a los que no estoy habituada, me transmite simplicidad y serenidad.

También pude ver The Sweeney Decade: Acquisitions at the 1959 Inaugural con obras de Pollock, Ernst, Tàpies y Chillida, entre otros.

Pero los artistas que más me gustaron del museo fueron Marc Chagall, Amedeo Modigliani y Fernand Léger.

Y la exposición más sorprendente fue A Year with Children 2009, en la que se mostraban los trabajos de los estudiantes de primararia que participaron en Learning Through Art (LTA), un programa en el que fomentan sus habilidades para describir e interpretar el arte mientras están inmersos en su proceso creativo. En respuesta a unos temas y cuestiones que se les plantea, los estudinates exploran materiales y crean su arte. Había obras de todo tipo (dibujos, esculturas, técnicas mixtas…) y algún que otro proceso de creación.

¡Qué afortunados! Han podido ver expuestas sus creaciones en el Guggenheim.

El tesoro funerario del faraón Tutankhamón se muestra ante nosotros tal y como fue encontrado por  Howard Carter en 1922, quien dijo: Al entrar por primera vez en una habitación como ésta, cuya intimidad no ha sido violada por más de treinta siglos, el intruso siente cierta reverencia, o incluso temor.

La muestra contiene reproducciones a escala original, únicas en el mundo, de tres de las cuatro cámaras funerarias de Tutankhamón.

También se pueden contemplar más de 1.000 réplicas de piezas del ajuar funerario, llevadas a cabo por unos 100 artesanos egipcios siguiendo las técnicas tradicionales. Un trabajo muy laborioso y digno de reconocimiento.

A nivel artístico, el Antiguo Egipto fue asombroso y de una belleza delicada que contrasta con el tamaño de sus monumentos. Algún día os hablaré del arte milenario que se conserva en Egipto.

Si estás mínimamente interesado en el arte del Egipto de los faraones, hay que pasar por el Museu Marítim de Barcelona y dejarse llevar.

Una recomendación, haced la visita a primera hora. Pasada una hora, la cantidad de gente que dejan entrar hace que no puedas disfrutarla.

En Dumbo, además de disfrutar de parques con vistas espectaculares como el Brooklyn Bridge Park, también es un lugar donde encontrar arte. No pude entrar en Dumbo Arts Center (DAC) ya que estaban preparando una exposición. Pero visité algunas de las 14 galerías de 111 Front Street Galleries.

La primera cooperativa para mujeres artistas en Estados Unidos está allí, AIR Gallery (Artists in Residence) que fue fundada en 1972.

Allí encontré la obra “I love you. Yes you. I really, really love you. You too” de Monica Carrier. Me gustó especialmente por la cantidad de detalles que encuentras al observarla de cerca.

También destacaría los dibujos “Rock Stars” de Barbara Siegel y su manera de presentarlos en “Stone Books #1-5″ y “Forty-Eight”.

Y en Randall Scott Gallery, las fotografías “In between” de Julia Fullerton-Batten que parece haber detenido el tiempo en un momento de suspensión.

Brooklyn es un distrito de New York muy conocido a través del cine y la literatura, donde parece ser se estan produciendo grandes cambios. Pero en sus calles del Centro, Dumbo y Brooklyn Heights, no había la vidilla artística que esperaba encontrar…

Se podría decir que el fauvismo es una explosión de colores, vivos y puros, en una pintura libre y rápida. Tuvo lugar en un breve periodo de tiempo, entre 1904 y 1907.

Esta exposición muestra las pinturas de Maurice de Vlaminck entre los años 1900 y 1915. En ella se puede apreciar la evolución estilística del artista. También se expone su escultura negra y su obra en cerámica.

Algunas de sus pinturas te recuerdan a Cézanne y otras a Juan Gris o Braque.
Las que más me han gustado son las que escenifican pueblos, tanto por el uso del color como por el uso de la perspectiva.

Vlaminck, un artista desconocido para mí y del que ha valido la pena poder ver sus pinturas colgadas en una pared y además con acceso libre. ¡Disfrutadlas!

Allí pasé parte de mi primer día en la ciudad, entre las avenidas 10th y 11th, recorriendo las galerías desde la calle 27th hasta la 20th, entre otros lugares.

Me gustó la idea que cada piso de cada planta de un edificio fuera un lugar para el arte. En la 547 West 27th Street entré en todos los que estaban abiertos (6 pisos).

En el espacio artístico de Aperture Foundation, fundación dedicada a la fotografía, me gustó la obra expuesta de Charles Lindsay con sus experimentales Carbon Soundscapes y la fotografía en blanco y negro Charis (1936) de Edward Weston.

Sputnik Gallery es una galería que expone fotografía rusa contemporánea. Presentaba Children’s project de Irina Davis, una serie de retratos de niños en orfanatos. Irina nos acerca a esas criaturas abandonadas de una manera muy sencilla, con luz natural, minimalista y sin caer en los tópicos.

En Montserrat Contemporary Art Gallery me encontré con los espectaculares mundos de Andy Thomas.

Y pude ver Paula pictures, los retratos de Hendrik Kerstens, en Witzenhausen Gallery. Son fotografías que hace a su hija en diferentes situaciones. Me llamó la atención el parecido con los retratos de Vermeer y el atrezzo utilizado. Kerstens también participa en la exposición Dutch Seen: New York Rediscovered, en el Museum of the City of New York.

Y por último, en M.Y. Art Prospects, destacar los curiosos árboles pintados de Takako Azami. Entre otras, Oaklander books estaba cerrada…

Únicamente me quedaron por ver unas 200 galerías de arte y me faltó asistir a una fiesta de apertura de una exposición en Chelsea.
Tendré que volver

En una antigua fábrica de lana, del barrio del Poble Nou de Barcelona, este empresario catalán ha colgado en sus paredes 279 obras de las 600 que forman parte de su colección privada.

Normalmente no me gustan mucho los museos de arte contemporáneo, así que fui allí por una curiosidad arquitectónica. Quería ver que habían hecho con las ruinas de aquel complejo industrial que fotografié en 2006:

Me alegré al saber que ahora es un lugar para el arte. Y la verdad es que me sorprendió muy gratamente lo que allí dentro contemplé.

Gracias por mostrarnos arte que en otras circunstancias sólo sería accesible para unos pocos.

Un encuentro de obras muy distintas con las tendencias del momento: simbolismo, puntillismo, realismo, naturalismo, clasicismo y vanguardias.

Las obras que más me han gustado han sido las de Sorolla, Casas y Rusiñol.
Me encanta la luz de Sorolla en sus escenas junto al mar, quieres entrar en el cuadro y participar del momento. De Ramón Casas me gustan especialmente las representaciones íntimas en las que tu eres un observador. Y la obra de Santiago Rusiñol La morfina es brutal.

También destacaría los retratos de Julio Romero de Torres, que siempre me han gustado aunque me parezcan algo inquietantes. En Córdoba visité su museo.

Además, pude ver obras de Anglada Camarasa, Brull, Mir, Nonell, Modest Urgell, Sunyer, Julio González, Picasso, Torres García, Zuloaga, Solana, Viladrich, Darío de Regoyos, Echevarría, Iturrino, Arteta, Miró y Dalí.

¡Magnífica exposición!

¡Qué delicia! Poder contemplar en un  mismo lugar sus distintas facetas.

Nunca antes había visto las bailarinas de Degas, únicamente en fotografías. Es mi referente en el uso del pastel. Y poder ver de cerca sus pasteles, aún lo hace más grande a mis ojos. Le tub (1886) es uno de mis preferidos.

A Degas lo consideran un impresionista atípico que muestra la realidad sin ideales, rompiendo con la tendencia y quien presenta el universo cotidiano que rodea a la mujer de finales del s.XIX. Es en lo común donde está la gracia.

Fue innovador en diferentes aspectos: mostrando a las mujeres en sus quehaceres diarios, el uso de la perspectiva, la mirada desde arriba, el uso estético del vacío (que conoció en la estampa japonesa), mostrar el movimiento… Sólo había que mirar.

Lo que más le importaba era el proceso: Mi arte no tiene nada de espontáneo, es todo reflexión. Y le daba tanta importancia, que exponía los óleos junto a los dibujos y pasteles de los que habían surgido. Era un gran observador de la figura humana.

Dejó el óleo por el pastel, consiguiendo una técnica de envejecimiento del material destinada a que la obra no se viese alterada con el paso del tiempo.

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En la escultura encontró el medio para poder mirar mejor la realidad y avanzar en sus cuadros. Estaba muy interesado en el estudio del movimiento y modelaba figurillas con cera para después dibujarlas. En los últimos años de su vida, debido a su paulatina pérdida de visión, la escultura fue su único material de trabajo.

Evita el bronce porque es un material concluyente y La obra de arte nunca es definitiva. Hoy podemos contemplar sus bronces gracias al trabajo de Palazzolo en la fundición Hébrard, realizado tras la muerte de Degas y la obra encontrada en su taller.
También fue un apasionado de la fotografía, de la que aprendió a realizar encuadres selectivos. Se basó en las fotos de Muybridge (Animal Locomotion) para estudiar el movimiento de los caballos.

Más de la mitad de su obra se dicada a las bailarinas y escenas relacionadas con el ballet, unas 1.500 creaciones.

La escultura Pequeña bailarina de catorce años es espectacular, con su tutú y coletero reales. Cuando la dió a conocer en 1881 fue rechazada por la crítica y el público. Presentarla junto a un pastel con la fisionomía de unos famosos criminales no ayudó. Yo, me la llevaría a casa.