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El pasado sábado asisití a la jornada de puertas abiertas del Espacio de Pintura Contemporánea CAN FRAMIS, el nuevo edificio de la Fundació Vila Casas. Alberga la colección de pintura de Antoni Vila Casas. Y ¡menuda colección!

En una antigua fábrica de lana, del barrio del Poble Nou de Barcelona, este empresario catalán ha colgado en sus paredes 279 obras de las 600 que forman parte de su colección privada.

Normalmente no me gustan mucho los museos de arte contemporáneo, así que fui allí por una curiosidad arquitectónica. Quería ver que habían hecho con las ruinas de aquel complejo industrial que fotografié en 2006:

Me alegré al saber que ahora es un lugar para el arte. Y la verdad es que me sorprendió muy gratamente lo que allí dentro contemplé.

Gracias por mostrarnos arte que en otras circunstancias sólo sería accesible para unos pocos.

La exposición Entre dos siglos. España 1900 muestra la diversidad creativa del arte español de finales del siglo XIX y principios del siglo XX, a través de 89 obras de los artista más significativos.

Un encuentro de obras muy distintas con las tendencias del momento: simbolismo, puntillismo, realismo, naturalismo, clasicismo y vanguardias.

Las obras que más me han gustado han sido las de Sorolla, Casas y Rusiñol.
Me encanta la luz de Sorolla en sus escenas junto al mar, quieres entrar en el cuadro y participar del momento. De Ramón Casas me gustan especialmente las representaciones íntimas en las que tu eres un observador. Y la obra de Santiago Rusiñol La morfina es brutal.

También destacaría los retratos de Julio Romero de Torres, que siempre me han gustado aunque me parezcan algo inquietantes. En Córdoba visité su museo.

Además, pude ver obras de Anglada Camarasa, Brull, Mir, Nonell, Modest Urgell, Sunyer, Julio González, Picasso, Torres García, Zuloaga, Solana, Viladrich, Darío de Regoyos, Echevarría, Iturrino, Arteta, Miró y Dalí.

¡Magnífica exposición!

La exposición Degas: El proceso de la creación tuvo lugar en la Fundación Mapfre de Madrid. Reunieron la colección completa de los bronces del pintor (73 esculturas del Museo de Arte de Sao Paulo), junto dibujos, fotografías, óleos, grabados y sus admirados pasteles (32 obras del Musée d’Orsay).

¡Qué delicia! Poder contemplar en un  mismo lugar sus distintas facetas.

Nunca antes había visto las bailarinas de Degas, únicamente en fotografías. Es mi referente en el uso del pastel. Y poder ver de cerca sus pasteles, aún lo hace más grande a mis ojos. Le tub (1886) es uno de mis preferidos.

A Degas lo consideran un impresionista atípico que muestra la realidad sin ideales, rompiendo con la tendencia y quien presenta el universo cotidiano que rodea a la mujer de finales del s.XIX. Es en lo común donde está la gracia.

Fue innovador en diferentes aspectos: mostrando a las mujeres en sus quehaceres diarios, el uso de la perspectiva, la mirada desde arriba, el uso estético del vacío (que conoció en la estampa japonesa), mostrar el movimiento… Sólo había que mirar.

Lo que más le importaba era el proceso: Mi arte no tiene nada de espontáneo, es todo reflexión. Y le daba tanta importancia, que exponía los óleos junto a los dibujos y pasteles de los que habían surgido. Era un gran observador de la figura humana.

Dejó el óleo por el pastel, consiguiendo una técnica de envejecimiento del material destinada a que la obra no se viese alterada con el paso del tiempo.

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En la escultura encontró el medio para poder mirar mejor la realidad y avanzar en sus cuadros. Estaba muy interesado en el estudio del movimiento y modelaba figurillas con cera para después dibujarlas. En los últimos años de su vida, debido a su paulatina pérdida de visión, la escultura fue su único material de trabajo.

Evita el bronce porque es un material concluyente y La obra de arte nunca es definitiva. Hoy podemos contemplar sus bronces gracias al trabajo de Palazzolo en la fundición Hébrard, realizado tras la muerte de Degas y la obra encontrada en su taller.
También fue un apasionado de la fotografía, de la que aprendió a realizar encuadres selectivos. Se basó en las fotos de Muybridge (Animal Locomotion) para estudiar el movimiento de los caballos.

Más de la mitad de su obra se dicada a las bailarinas y escenas relacionadas con el ballet, unas 1.500 creaciones.

La escultura Pequeña bailarina de catorce años es espectacular, con su tutú y coletero reales. Cuando la dió a conocer en 1881 fue rechazada por la crítica y el público. Presentarla junto a un pastel con la fisionomía de unos famosos criminales no ayudó. Yo, me la llevaría a casa.

En diciembre del año pasado visité el nuevo espacio del Museo Nacional del Prado y me encontré con Rembrandt. Pintor de historias. Un recorrido por todas las etapas de su pintura, a través de 40 obras procedentes de 20 lugares diferentes de Europa y Estados Unidos.

La exposición se centraba en sus cuadros de temas bíblicos e históricos, considerados los más importantes para un pintor en aquellos años. Junto a las obras de Rembrand, algunas de otros artistas como Rubens, Tiziano, Veronese, Ribera y Velázquez para darle un contexto.

Lo que más me ha gustado de estas pinturas es la luz y las expresiones de algunos de los rostros. Pero de Rembrandt, me quedo con sus grabados, los que pude ver en el Museo Casa de Rembrandt en Ámsterdam.

Finalicé el año 2008, artísticamente hablando, con los 35 Picassos expuestos en la Galería Manel Mayoral de Barcelona y autentificados por Maya Picasso.

Las obras, recogidas durante largos años por la galería, pertenecen a varios momentos vividos por Picasso, de 1898 a 1971.

Al entrar, Horta de Sant Joan (1898), la obra que más me gustó y que Picasso dibujó con 17 años mientras estuvo en este pueblo catalán. El azul es espectacular.
La exposición cuenta con dedicatorias personales del artista, retratos, etc.

Una maravilla haber podido ver estos Picassos menos conocidos. Me recordaron a un libro que leí hace poco, El cuadro perdido de Picasso de Eugenia Tusquets.

Si pinchas aquí podrás ver fotografías de 7 obras.

China, con las Olimpiadas 2008 de Beijing, está de moda. Por eso, ahora podemos ver en CaixaForum Barcelona una muestra de arte chino, en la exposición La Escuela Yi. Treinta años de arte abstracto chino.

Al entrar, nos recibe una instalación de perfecta armonía, abanicos de seda y bambú colgados con hilos de cobre. Son el Viento mudo de Qin Yufen.

La muestra presenta unas ochenta obras, entre pinturas, fotografías, esculturas e instalaciones, creadas por más de 40 artistas.

Los artistas chinos, a través del concepto Yi , han respondido a los cambios sociales y culturales acontecidos en los últimos 30 años. Y en esta exposición se puede apreciar el cambio producido en el arte chino a lo largo de estos años.

El Yi representa el estado de contemplación y meditación de los creadores. Se empapan de una realidad, la viven y finalmente, en su estudio, la vuelven a crear. Es su realidad.

Podemos ver obras de gran colorido, muy diferentes al blanco y negro al que se asoció su imagen durante años. Esculturas geniales de figuras geométricas que me recordaron al juego del Lego.

Como despedida, el maximalismo oriental. Esas obras repetitivas que seguro te llevan a un estado de meditación mientras las creas y que me recordaron a los mantras hindús o budistas. ¡Una locura!

Me quedo con la obra de Li Huasheng.
Como siempre, os recomiendo la visita guiada. Hasta el 21 de septiembre.

Arte, mucho arte, siempre arte.

¡Impresionante!
Dan Dunn’s Paintjam es todo un espectáculo de arte en directo. Unos botes de pintura, unas brochas, sus manos, movimiento al ritmo de la música y en pocos minutos un resultado asombroso. Parece magia.
En el siguiente vídeo veréis un pedazo de artista en acción, Dan Dunn.
Lo descubrí vía Keaton.

Finalmente pude asistir a la última visita comentada de la exposición William Hogarth. Retrato de la sociedad del siglo XVIII que tuvo lugar en CaixaForum Barcelona. Se trata de la primera retrospectiva sobre William Hogarth (1697-1764), el pintor inglés más importante del siglo XVIII, organizada en España.

Mercè, la guía, nos explicó curiosidades del artista y su entorno que nos hizo entender mejor su obra.
Gracias a él y su empeño por mostrar su arte, la pintura inglesa pasó a ser conocida a partir de entonces, incluso por los mismos ingleses. Él mismo hacía publidad de su obra a través de carteles en la entrada de su taller.
Fue un artista al que le falsificaron muchos de sus grabados al instante de ponerlos a la venta, incluso antes. Por este motivo se creó la Ley Hogarth, que protegía los derechos del grabador.
Quiso hacer llegar su obra a más gente, abaratando los costes de producción (cambió la plancha de cobre por madera).
Llegó a hacer versiones de un mismo óleo, La ópera de los mendigos, por el gran éxito que tuvo la obra de teatro. Todo el mundo quería tener la escena más representativa.

A través de sus grabados y óleos nos muestra la sociedad inglesa del momento de una manera crítica. Puso al descubierto la vida de las clases altas hasta llevarlas al ridículo. Presentó unas calles de Londres donde vivían prostitutas, ladrones, asesinos, alcohólicos y niños hambrientos, denunciando la situación tal y como era (otros pintores la suavizaban e incluso la enmascaraban).

Pero no sólo cabe destacar lo que cuenta a través de su obra, sinó también cómo lo cuenta: el uso de la luz en sus pinturas, la introducción de los perros como reflejo de los personajes representados, el uso de series para narrar la historia desde el inicio hasta el final, las parejas de obras “antes” y “después” (lo que ocurre entre ambas lo deja a la imaginación del espectador), escenas complejas con variedad de detalles y cargadas de simbolismos, etc. Una manera muy original e ingeniosa para expresarse y reflejar la actualidad de una manera crítica y también satírica.

¡Muy cachondo el tal Hogarth!
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Os dejo un magnífico video que recoge la belleza del rostro de la mujer a lo largo de la historia del arte. Las imágenes están acompañadas por la música de Bach, Suite No.1 para violonchelo BWV 1007 (Preludio). Disfrutadlo!

Lo encontré revolviendo en los cajones de Un cajón revuelto. Gracias Gloria.

Cuando vas a Madrid no puedes dejar pasar los museos. Siempre hay alguna exposición que te llama la atención y te hace entrar. En mayo pasé por el Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid y encontré una maravillosa muestra de retratos: El espejo y la máscara. El retrato en el siglo de Picasso.

Pude ver la transformación del retrato en el arte de vanguardia entre 1890 y 1990. El retrato rompe por primera vez con el compromiso entre el modelo y su reflejo. El artista llega a oponerse al modelo tradicional del retrato. El espejo y la máscara, título de una fábula de Jorge Luis Borges, lo dice todo: la verdad del espejo se vio desplazada por los múltiples valores de la máscara.

A mask tells us more than a face, Oscar Wilde.
I’m looking for the face I had / Before the world was made, W.B. Yeats.

La exposición está muy bien organizada, vas pasando por los años como una narración y las doce temáticas en que se desarrolla, están muy acertadas: ante el espejo, gesto y expresión, colores modernos, máscaras de lo primitivo, el espejo roto, retrato de la sociedad, sueño y pesadilla, identidades metafóricas, arcilla humana, gestos, instantáneas y sombras.

Todo un espectáculo que reúne más de 150 obras de los principales protagonistas del arte del siglo pasado. Os he dejado algunos de los retratos que más me gustaron.
El resultado de varias técnicas: lápiz, acuarela, carboncillo y cera con barniz, en el Autorretrato (1967) de Antonio López es magnífico. No encontré foto para mostrarlo.

Si no habéis podido visitar la exposición en Madrid, tendréis que ir a Texas, al Kimbell Art Museum de Fort Worth. Desde mañana hasta el 16 de septiembre.

Siempre os quedará comprar el catálogo, excelente.

Como la mayoría de las veces, me sorprende encontrar tanta belleza en el arte.