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La exposición Entre dos siglos. España 1900 muestra la diversidad creativa del arte español de finales del siglo XIX y principios del siglo XX, a través de 89 obras de los artista más significativos.

Un encuentro de obras muy distintas con las tendencias del momento: simbolismo, puntillismo, realismo, naturalismo, clasicismo y vanguardias.

Las obras que más me han gustado han sido las de Sorolla, Casas y Rusiñol.
Me encanta la luz de Sorolla en sus escenas junto al mar, quieres entrar en el cuadro y participar del momento. De Ramón Casas me gustan especialmente las representaciones íntimas en las que tu eres un observador. Y la obra de Santiago Rusiñol La morfina es brutal.

También destacaría los retratos de Julio Romero de Torres, que siempre me han gustado aunque me parezcan algo inquietantes. En Córdoba visité su museo.

Además, pude ver obras de Anglada Camarasa, Brull, Mir, Nonell, Modest Urgell, Sunyer, Julio González, Picasso, Torres García, Zuloaga, Solana, Viladrich, Darío de Regoyos, Echevarría, Iturrino, Arteta, Miró y Dalí.

¡Magnífica exposición!

La exposición Degas: El proceso de la creación tuvo lugar en la Fundación Mapfre de Madrid. Reunieron la colección completa de los bronces del pintor (73 esculturas del Museo de Arte de Sao Paulo), junto dibujos, fotografías, óleos, grabados y sus admirados pasteles (32 obras del Musée d’Orsay).

¡Qué delicia! Poder contemplar en un  mismo lugar sus distintas facetas.

Nunca antes había visto las bailarinas de Degas, únicamente en fotografías. Es mi referente en el uso del pastel. Y poder ver de cerca sus pasteles, aún lo hace más grande a mis ojos. Le tub (1886) es uno de mis preferidos.

A Degas lo consideran un impresionista atípico que muestra la realidad sin ideales, rompiendo con la tendencia y quien presenta el universo cotidiano que rodea a la mujer de finales del s.XIX. Es en lo común donde está la gracia.

Fue innovador en diferentes aspectos: mostrando a las mujeres en sus quehaceres diarios, el uso de la perspectiva, la mirada desde arriba, el uso estético del vacío (que conoció en la estampa japonesa), mostrar el movimiento… Sólo había que mirar.

Lo que más le importaba era el proceso: Mi arte no tiene nada de espontáneo, es todo reflexión. Y le daba tanta importancia, que exponía los óleos junto a los dibujos y pasteles de los que habían surgido. Era un gran observador de la figura humana.

Dejó el óleo por el pastel, consiguiendo una técnica de envejecimiento del material destinada a que la obra no se viese alterada con el paso del tiempo.

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En la escultura encontró el medio para poder mirar mejor la realidad y avanzar en sus cuadros. Estaba muy interesado en el estudio del movimiento y modelaba figurillas con cera para después dibujarlas. En los últimos años de su vida, debido a su paulatina pérdida de visión, la escultura fue su único material de trabajo.

Evita el bronce porque es un material concluyente y La obra de arte nunca es definitiva. Hoy podemos contemplar sus bronces gracias al trabajo de Palazzolo en la fundición Hébrard, realizado tras la muerte de Degas y la obra encontrada en su taller.
También fue un apasionado de la fotografía, de la que aprendió a realizar encuadres selectivos. Se basó en las fotos de Muybridge (Animal Locomotion) para estudiar el movimiento de los caballos.

Más de la mitad de su obra se dicada a las bailarinas y escenas relacionadas con el ballet, unas 1.500 creaciones.

La escultura Pequeña bailarina de catorce años es espectacular, con su tutú y coletero reales. Cuando la dió a conocer en 1881 fue rechazada por la crítica y el público. Presentarla junto a un pastel con la fisionomía de unos famosos criminales no ayudó. Yo, me la llevaría a casa.

Hasta el 9 de abril podrás ver las fotografías de Tina Bagué, presentadas como Diacronies del Japó modern, en la biblioteca Jaume Fuster de Barcelona.

En un mapa de Japón, podrás situar una selección de las fotografías disparadas en los 5 viajes realizados al país desde 2002. Disfrutarás de los contrastes y viajarás en el tiempo sin moverte del siglo XXI.
Una vitrina acompaña las fotografías, donde se recogen sus publicaciones en revistas y periódicos, así como objetos procedentes de Japón.

El 1 de enero de 2010, Tina Bagué y el fotógrafo Toru Morimoto empezarán la gran aventura: The Japan Photo Project.

   
Recorrerán Japón en autocaravana durante 1 año y 40.000 Km. Tina está especializada en fotografía digital de viajes en color y Toru, con su Leica, en fotografía documental en blanco y negro.
¿Qué resultará? Un libro con dos miradas de un mismo viaje.

Si no puedes ver la exposición, han colgado un video de la inauguración. Pero mejor pásate a verlas, están muy bien.
¡Qué ganas de viajar a Japón!

En diciembre de 2008, caminando por el Paseo del Prado de Madrid, me encontré con 16 enormes esculturas en bronce.

Son creaciones del dibujante y escultor zamorano Baltasar Lobo, más conocido fuera de nuestro país.

Basta con decir que 12 de las esculturas provienen de colecciones privadas de Miami y 2 de Italia.

Cada día lo tengo más claro, si no te mueves en el mundo artístico, únicamente te llega lo que algunos deciden que te ha de llegar.
O simplemente soy una inculta, teniendo raíces zamoranas y no conocer la obra de Baltasar Lobo.

La exposición está organizada por Caja Duero, sumándose al carro de “arte en la calle”. ¡Qué bien!

Empezó en Valladolid, siguió por Sevilla, Madrid y ahora está en Lisboa.

Me gustan las mujeres de Lobo, cómo las muestra, los volúmenes que utiliza, lo que expresan… Y además se podían tocar. En un museo nunca te dejarían hacerlo, la mayoría de lss veces ni fotografiarlas. Y estas esculturas se han de tocar, el tacto que tienen forma parte de la obra. ¡Más arte en la calle!

En la calle nos abordó una mujer diciéndonos que la familia Lobo llevaba años intentando que el artista tuviera su propio museo. Así, Baltasar Lobo y su obra serían conocidos por la gente de su propio país.

Parece ser que en Zamora está el Museo Baltasar Lobo, pero es una instalación provisional en la Iglesia de San Esteban, a la espera de crear un espacio adecuado en el Castillo de la ciudad. ¿Será finalmente posible?

En mi primera visita a La Fábrica Galería de Madrid, descubrí al artista Chen Chieh-Jen. Exponía su obra más reciente “Retratos de sin techo, arrendatarios e hipotecados” (2008) y “Tribunal Militar y prisión” (2007-2008).

Me llamó la atención el color de sus fotografías. Y al ver las primeras imágenes del vídeo “Tribunal Militar y Prisión”, me enganchó y lo ví enterito, 1’5 horas.

El escenario es el antiguo Tribunal militar y Prisión de Taipei que fue convertido en 2007 en Memorial de los Derechos Humanos de Taiwán.

La sucesión de imágenes, sin diálogos, me atraparon. Expresan un montón de vivencias que se pueden aplicar a muchas culturas, no únicamente a la taiwanesa.

Hay dos temas en la exposición: el de los derechos humanos y asuntos políticos y el de la vivienda.

Metáfora de los presos del pasado y los del presente. Buscamos un espacio propio donde vivir y nos pasamos la vida trabajando para conseguirlo y pasar la vida, la que se nos escapa. ¿Existencia sin sentido?

Entiendo la obra de Chen como su reflexión ante situaciones de la vida.

En diciembre del año pasado visité el nuevo espacio del Museo Nacional del Prado y me encontré con Rembrandt. Pintor de historias. Un recorrido por todas las etapas de su pintura, a través de 40 obras procedentes de 20 lugares diferentes de Europa y Estados Unidos.

La exposición se centraba en sus cuadros de temas bíblicos e históricos, considerados los más importantes para un pintor en aquellos años. Junto a las obras de Rembrand, algunas de otros artistas como Rubens, Tiziano, Veronese, Ribera y Velázquez para darle un contexto.

Lo que más me ha gustado de estas pinturas es la luz y las expresiones de algunos de los rostros. Pero de Rembrandt, me quedo con sus grabados, los que pude ver en el Museo Casa de Rembrandt en Ámsterdam.

Cuando me escapo a Madrid, me gusta pasar por Casa de América. Esta vez me encontré con la exposición fotográfica Korda: Conocido Desconocido

Un recorrido por la obra de Alberto Díaz Gutiérrez, conocido como Korda -el fotógrafo de la Revolución cubana-, que va más allá de su fotografía del Che Guevara, mundialmente reproducida y tomada en La Habana de 1960.

Es la historia de los 12 años de Estudios Korda, a través de 200 fotografías. La mayoría de ellas inéditas, algunas vistas por primera vez a negativo completo, tomadas entre 1956 y 1968. Pero únicamente las que se pudieron rescatar después de la intervención de la propiedad por las autoridades revolucionarias, el 14 de marzo de 1968.
La curadora Cristina Vives ha estudiado más de 50.000 negativos, el llamado “archivo de la revolución” (el 10% de su obra).
En esta exposición nos muestra las fotografías menos conocidas a través de cuatro series: “Los líderes” que ofrece la intimidad del líder de la Revolución ,”El pueblo” que la apoyó, “La mujer” en su estudio y la moda, y “El mar” con la que se funda la fotografía subacuática cubana.

Esta exposición y mucho más, ha sido recogida en el libro de Alberto Korda “Conocido. Desconocido”, publicado por La Fábrica Editorial.

Finalicé el año 2008, artísticamente hablando, con los 35 Picassos expuestos en la Galería Manel Mayoral de Barcelona y autentificados por Maya Picasso.

Las obras, recogidas durante largos años por la galería, pertenecen a varios momentos vividos por Picasso, de 1898 a 1971.

Al entrar, Horta de Sant Joan (1898), la obra que más me gustó y que Picasso dibujó con 17 años mientras estuvo en este pueblo catalán. El azul es espectacular.
La exposición cuenta con dedicatorias personales del artista, retratos, etc.

Una maravilla haber podido ver estos Picassos menos conocidos. Me recordaron a un libro que leí hace poco, El cuadro perdido de Picasso de Eugenia Tusquets.

Si pinchas aquí podrás ver fotografías de 7 obras.

El MNAC (Museo Nacional de Arte de Catalunya) muestra la mayor retrospectiva del escultor Julio González realizada hasta el momento en España.

Juli, artesano del metal, se marcha a París para desarrollar su carrera como pintor. Consigue ser “el escultor del hierro” pasados sus 50 años, dominando la soldadura autógena y tras su colaboración con Picasso. Post mórtem, como tantos otros, regresa a Barcelona.
¡Ya era hora!

Únicamente conocía las esculturas en hierro, realizadas en la última década de su vida. Me recordaban a Gargallo. Pero desconocía el resto de su obra, sus orígenes en el taller de metalistería de su padre y su evolución en París.

Su lenguaje escultórico es lo que más me atrae, el uso del vacío para dar forma a sus creaciones. Él lo definía como “dibujar en el espacio”.

Podemos ver más de 200 obras, gracias a las donaciones de su hija Roberta al MNAC y al MNCARS, a coleccionistas privados y al IVAM que conserva el mayor conjunto de obras de Julio en España. Son esculturas en hierro, bronces forjados, pinturas, dibujos y piezas decorativas, procedentes de Europa y América, que cubren todas las etapas creativas del artista.

Para acabar, una frase muy significativa del artista:

“La edad de hierro empezó hace siglos produciendo (desgraciadamente) armas, algunas muy hermosas. En nuestros días permite, además, la construcción de puentes y vías férreas. Ya es hora de que el hierro deje de ser mortífero y simple instrumento de una ciencia mecánica: la puerta está completamente abierta hoy para que al fin este material sea forjado y batido por las  pacíficas manos de los artistas.”

(Picasso et les Cathedrals. Picasso sculpteur, manuscrito 1931-1932).

La exposición Julio González. Retrospetiva estará en Barcelona hasta el 25 de enero de 2009 y en Madrid se podrá ver en el MNCARS (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía) a parir del 11 de marzo.

Acabo de escuchar en la radio la entrevista que Montserrat Domínguez hace al fotógrafo Alberto García-Alix, dentro del programa A vivir que son dos días. El motivo, la exposición De donde no se vuelve, que a partir del próximo martes podremos ver en el Museo Reina Sofía de Madrid. ¡Por fin!

Según García-Alix, De donde no se vuelve es el camino que ha recorrido hasta convertirse en fotógrafo y lo narra a través de las fotografías y de un vídeo como hilo conductor. Las fotografías son el pasado y la cámara en movimiento el presente. De esta manera, la exposición muestra como ha ido desarrollando su mirada, de donde viene y donde está.

Para él, la fotografía necesita una reflexión sobre lo que está mirando. Todo empieza con la cámara en mano, hasta que se produce la vibración y sabe que es el momento.

Hablan de él, la coleccionista Lola Garrido, la cantante Alaska y la fotógrafa Ouka Leele. Me quedo con  la definición que hace Ouka de Alberto: “Vive la vida a través de la muerte”.

Si el 7 de noviembre estás por Madrid, podrás asistir a la charla que el comisario de la exposición Nicolás Combarro tendrá con García-Alix. Pude estar en la de Barcelona y de la que escribí en El vibrar de Alberto García-Alix.

Ahora está en Madrid, que siente como su centro, pero García-Alix no tardará en volver a ponerse en movimiento.