NuriArT

Quiero que los enemigos pinten juntos es el titular de La Contra, en La Vanguardia del 18 de octubre. Son palabras de Matt Lamb, artista desconocido por la que escribe y a la que le entró curiosidad por saber de él y su trabajo.
Me pareció muy interesante su historia y aquí la quiero dejar.

Todo su mundo cambió a los 44 años, cuando los médicos le dieron de 2 a 4 años de vida. Sobrevivió, abandonó su negocio funerario y ha querido mostrarnos lo que aprendió: entendí que somos los únicos que podemos cambiar el panorama y que la única manera era cambiándose a sí mismo.

Desde entonces lleva el mensaje de paz al mundo a través de su exploración artística. No ha pintado para vender, pero su arte está por todas partes y tiene sus propios museos (Alemania, Argentina y China). Lo que recauda con su obra va a parar a sus fundaciones que trabajan en proyectos para la paz: Schengen Peace Foundation y Pax Lamb.

Se dedica a hacer happenings allí por donde va, especialmente con los niños. Los reúne en las plazas públicas para pintar paraguas por la paz, su magnífico e interesante proyecto The Lamb Umbrellas For Peace.

El otro día, 450 niños pintaron los suyos en la plaza de la Catedral de Barcelona. De esta manera, explica, consigue que los enemigos caminen por las calles bajo el mismo paraguas mostrando la solidaridad.

En estos momentos y hasta el 11 de noviembre de 2007, podemos ver 50 de sus pinturas de gran formato en el Museo Diocesano (Pia Almoina).

Según palabras de Teresa de Calcuta, “La paz empieza con una sonrisa”.
¡No dejes de sonreír! 😀

Blue es un cómic japonés de color azul, dibujado en blanco y negro.
Fue mi única adquisición en el pasado Salón del Cómic de Barcelona.

No había leído nada de su autora, Kiriko Nananan, pero me llamó la atención y me lo recomendaron. Fue un acierto, por eso he querido hablaros de Blue.
Está editado por Ponent Mon en su formato original japonés, con sentido de lectura de derecha a izquierda. Este hecho hace más curisosa su lectura.

Kiriko Nananan es una joven autora, militante del movimiento conocido como Nouvelle Manga, iniciado por el francés Fréderic Boilet.
Parece ser que Blue (1997) es su cómic más conocido internacionalmente y ha sido adapatado cinematográficamente en 2001 por el director Hiroshi Ando.

Es un manga lleno de sensaciones que transmite a través de sus sencillos dibujos en blanco y negro. El uso que hace de las viñetas, el espacio que crea entre ellas cobra más importancia que la viñeta en sí, forma parte de la historia.
Los espacios en blanco nos transmite silencios, ausencias, distanciamiento… pero no nos lo muestra todo, hace que tu imaginación esté ahí.

Esa línia fina con la que traza la figura, el negro del pelo, el uso de los espacios, el centrarse en los personajes, los pocos diálogos… todo ello hace que la historia tenga una intensidad y un impacto emocional impresionante.

Es una historia explicada a través del blanco y negro de sus dibujos como quien no dice nada. Te va contando unas vidas, las de Kayako y Masami. Pero rompe en tí con un montón de sensaciones que te invaden y, sin darte cuenta, estás dentro del cómic y no puedes parar. Parece que formes parte de la historia. Llegas a sentir que no deberías continuar, como si entraras en la intimidad de dos personas y no debieras estar allí, presente, leyéndoles y viéndoles a través de esas ventanas especiales que han abierto para tí. Pero te resistes a cerrarlas, quieres saber.

No os quiero contar nada más. ¡Disfrutadlo!

El Arte. Conversaciones imaginarias con mi madre es un cómic del dibujante Juanjo Sáez. Me lo compré al ver una entrevista que le hicieron en el magnífico programa, ya desaparecido, Saló de Lectura de BTV.

En él, a través de conversaciones imaginarias con su madre, nos habla del arte, los artistas y todo lo que les envuelve. Nos pasea por salas de museos, nos muestra obras de arte, artistas en acción, lo que piensa de todo ello y de una manera muy particular.
La historia comienza con la vuelta a casa de Juanjo y su compañera Vanessa de una de las catedrales del Arte, el Guggenheim de Bilbao. Se lo recomienda a su madre, pero ella le contesta que “no entiende”. A partir de aquí, un montón de conversaciones en las que aparecerán artistas como Calder, Miró, Tàpies, Picasso, Warhol, Dalí o Chillida.

A través de sus sencillos dibujos, personajes sin rostro, el uso del color, su manera de explicar la historia, su letra con los tachones correspondientes, su particular humor… hace que lo leas de un tirón.

Algunas ideas contenidas en el libro:
“…el arte es tan infinito y múltiple como personas hay en este mundo”
“…el arte no solo se limita a los museos y galerías, es mucho más”
“…cualquier obra que se haya hecho sin creatividad, sensibilidad, ni intuición no es nada. Es un ejercicio de virtuosismo vacío. El virtuosismo por sí solo no es arte, eso sí, puede resultar asombroso”

Podrás o no compartir sus opiniones, pero te sacará una sonrisa como poco.

¡Viva el Arte!

¡Impresionante!
Dan Dunn’s Paintjam es todo un espectáculo de arte en directo. Unos botes de pintura, unas brochas, sus manos, movimiento al ritmo de la música y en pocos minutos un resultado asombroso. Parece magia.
En el siguiente vídeo veréis un pedazo de artista en acción, Dan Dunn.
Lo descubrí vía Keaton.

La exposición Asian Portraits del fotógrafo Pierre Gonnord, tuvo lugar en Casa Asia el pasado 2006. Como me gustan los retratos y la fotografía, me pasé por allí.

En ella nos mostraba una selección de 27 fotografías de retratos de la serie dedicada a personas asiáticas, identificados en su mayoría con la marginalidad.

Gonnord comienza a fotografiar retratos en 1999. La serie asiática la inicia en 2001 en New York y finaliza en 2005 en París. La mayor parte de los retratos expuestos, son de su larga estancia en Japón en el año 2003.
Las personas que retrata son desconocidos, transeúntes que descubre en la calle o en cualquier lugar público de allí donde esté.

Los retratos son de gran formato y casi cuadrados. Suelen ser de medio busto. Pero a veces, aparece el cuerpo entero, sea individual o en grupo. Son impactantes, tienen mucha fuerza. Quizás por la luz directa, los cuerpos posando, esos rostros aparentemente inexpresivos, fríos, o esas miradas contundentes… no sé, son arrogantes y a la vez frágiles.

Te quedas quieta, en silencio, plantada delante de cada uno de ellos. Las miradas son intensas… te encuentras mirándote en sus ojos.
Está retratando su interior y hace que salga el tuyo… Introspección.
Hace que la quietud entre en tí y formes parte de ellos. Te preguntas quiénes son, quieres saber más.

Son retratos de una gran belleza.

También pudimos ver un vídeo editado en 2005 por el programa La Mandrágora de TVE, donde Pierre Gonnord explica su proceso de trabajo en tres sesiones fotográficas que realiza en Madrid. Interesante verle en acción.

No os podéis perder SkiZ.o.Site, la creatividad y el humor son desbordantes.
SkiZ.o.Site nació el pasado 21 de junio con una pregunta desafiante a un ácaro.

SkiZ.o nos ilustra la vida casi a diario con su variedad de personajes: pajarito adicto a la colaloca, diablillos, rubias mutantes, alien, florecillas “silvestres”, e-VilWoman, tiburón y otros animalillos diversos en su esencia, ángel, vampiresa mujer y muchos más. La protagonista principal, sin dudarlo, SkiZ.o. Aunque comparte este lugar con el adictivo Chocolate.

Nos pasea por lugares como: Wonderland, the beach, el sueño de la razón, the dark side of the moon, el espacio exterior, su casa, la jungla… Y comparte un montón de sensaciones de su día a día.

También nos sorprende con sus giños a obras de arte muy conocidas de grandes creadores como Munch, Goya…

¿Quién es SkiZ.o? Descubridlo vosotros mismos. Entrad en su mundo.

SkiZ.o, gracias por compartir tus creaciones. 😉

Finalmente pude asistir a la última visita comentada de la exposición William Hogarth. Retrato de la sociedad del siglo XVIII que tuvo lugar en CaixaForum Barcelona. Se trata de la primera retrospectiva sobre William Hogarth (1697-1764), el pintor inglés más importante del siglo XVIII, organizada en España.

Mercè, la guía, nos explicó curiosidades del artista y su entorno que nos hizo entender mejor su obra.
Gracias a él y su empeño por mostrar su arte, la pintura inglesa pasó a ser conocida a partir de entonces, incluso por los mismos ingleses. Él mismo hacía publidad de su obra a través de carteles en la entrada de su taller.
Fue un artista al que le falsificaron muchos de sus grabados al instante de ponerlos a la venta, incluso antes. Por este motivo se creó la Ley Hogarth, que protegía los derechos del grabador.
Quiso hacer llegar su obra a más gente, abaratando los costes de producción (cambió la plancha de cobre por madera).
Llegó a hacer versiones de un mismo óleo, La ópera de los mendigos, por el gran éxito que tuvo la obra de teatro. Todo el mundo quería tener la escena más representativa.

A través de sus grabados y óleos nos muestra la sociedad inglesa del momento de una manera crítica. Puso al descubierto la vida de las clases altas hasta llevarlas al ridículo. Presentó unas calles de Londres donde vivían prostitutas, ladrones, asesinos, alcohólicos y niños hambrientos, denunciando la situación tal y como era (otros pintores la suavizaban e incluso la enmascaraban).

Pero no sólo cabe destacar lo que cuenta a través de su obra, sinó también cómo lo cuenta: el uso de la luz en sus pinturas, la introducción de los perros como reflejo de los personajes representados, el uso de series para narrar la historia desde el inicio hasta el final, las parejas de obras “antes” y “después” (lo que ocurre entre ambas lo deja a la imaginación del espectador), escenas complejas con variedad de detalles y cargadas de simbolismos, etc. Una manera muy original e ingeniosa para expresarse y reflejar la actualidad de una manera crítica y también satírica.

¡Muy cachondo el tal Hogarth!
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Santiago Rusiñol (1861-1931), pintor, cartelista y autor teatral, es una de las personalidades más polifacéticas de la historia del arte catalán. Dentro de los actos que se realizan en el Año Rusiñol, en conmemoración del 75º aniversario de la muerte del artista (nunca entenderé porqué se celebra el aniversario de la muerte y no el del nacimiento), el MNAC reune 30 de sus dibujos en la exposición temporal Dibujos de Santiago Rusiñol del Museo Nacional de Arte de Catalunya.

Destacaría los retratos. Parecen una crónica social. De hecho, algunos fueron publicados en periódicos. En 1891 conoció a Erik Satie en París y lo retrató tocando el armonio. En 1895 dibujó al pintor Pere Ferran y al escultor Cales Mani. La escena donde los representa no tiene desperdicio. Descubridla vosotros mismos.
¿Así es como se sentían los artistas en la soñada París?

Solo quedan unos días, hasta el 20 de agosto, para entrar en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid y ver la exposición Lo[s] Cinético[s].
Se muestran 80 obras de 45 artistas del mundo que a través de diversas técnicas y jugando con todas las posibilidades, además de una fuerte dosis de creatividad, crean movimiento. Tenemos la oportunidad de presenciar el cinetismo del siglo XX.

La obra que más me gustó ver, ya que todavía no he visitado New York, fue la Madonna (1958) de Salvador Dalí, que viajó desde The Metropolitan Museum of Art. Obviamente, en la foto no se puede apreciar este arte cinético.

Otro óleo sobre lienzo, pero esta vez de Jean Pierre Yvaral, es la Marylin Numerisée (1994). Del mismo autor podemos ver el retrato Dalí Nimerisé-D59 (1978).
Geniales, jugar con la distancia de observación hace que descubras lo que tienen “escondido”.

Cuando veas la instalación Penetrable (1982) de Jesús Rafael Soto, no podrás resistir la tentación de entrar en ella y pasear en su interior. ¿Qué sientes?

Encontrarás mucho más arte en movimiento y para todos los gustos.

Por cierto, ¿eres un artista cinético?

En el Museu Nacional d’Art de Catalunya podemos ver, hasta el 30 de septiembre, la exposición El Cartel Moderno en las colecciones del MNAC. Nos muestran una selección de 100 carteles modernistas, de los más de 600 que forman parte del fondo del Gabinete de Dibujos y Grabados del MNAC y que fueron adquiridos en el año 1903 a Lluís Plandiura y en 1921 a Alexandre de Riquer, dos apasionados del coleccionismo.

Una oportunidad única para ver estos carteles originales. Destaca la presencia de representantes del cartelismo europeo, como Alphonse Mucha, Jules Chéret, Théophile Alexandre Steinlen, Henri Meunier o Henri Provat-Livement, entre otros.
Es un recorrido por la historia del cartel moderno. La mayoría de las obras son próximas a 1900, momento de la eclosión del cartel como medio de expresión artística. Hay que tener en cuenta que estos carteles se concibieron para una función publicitaria y se han convertido en auténticas obras de arte.
Algunos llaman la atención por los motivos, otros por la viveza de los colores y algunos por su gran tamaño.

La técnica litográfica nació en 1796, con la intención de abaratar costes y ser más rápidos en la ejecución. Esta técnica evolucionó a la cromolitografía, que permitía la incorporación de varios colores y obtener medidas mayores. A partir de 1880 empezó a tener una gran difusión en su aplicación en los carteles.

Os dejo una muestra de los carteles que más captaron mi atención:

Henri Meunier. Thé Rajah. 1897.
Litografía en colores, 63 x 80 cm. Colección Plandiura.
El borde blanco en la figura produce el efecto de que la mujer está tomado el té aquí, contigo.
Se sale del cartel, le da profundidad a la escena.

William Henry Bradley. The Inland Printer. July 1894. 1894.
Litografía monocroma, 31,4 x 23,7 cm. Colección Riquer.
Tiene demasiados detalles, incluso puede parecer recargada. Pero no, los reflejos en el agua, incluso de lo que no ves… es lo mejor.

Alphonse Mucha. Carriage Dealers. 1902.
Litografía en colores, 106 x 51 cm. Colección Plandiura.
Los carteles de Mucha, son diferentes, espectaculares. Además son los primeros que ves al entrar en la exposición.

Henri Privat-Livemont. Palais de les Femme. Exposition de 1900. 1900. Litografía en colores, 109,2 x 82,5 cm. Colección Plandiura. La representación de la figura humana es de una gran exquisitez y delicada en sus colores.

Charles Louis Hinton. Harpers’s Bazar. 1896.
Litografía en colores, 42,3 x 29,3 cm. Colección Riquer.
Lo que más me llamó la atención de este cartel fue lo impactante del color naranja, se salía del papel.

Aleardo Villa. Cigarrillos París. 1901. Litografía en colores, 126 x 93,5 cm. Colección Plandiura. El rostro de la mujer parece real, como una fotografía, destaca del resto del cartel. Muy curioso.

Adolf Hohenstein. A. Calderoni Gioielliere. 1898. Litografía en colores, 164 x 97,5 cm. Colección Plandiura. El tamaño, los colores, la vida en la calle fuera de la escena principal… y ese demonio blanco, lo hacen especial.

William True. Nestle’s Swiss Milk. 1901 o anterior.
Litografía en colores, 50,8 x 31,8 cm.
Colección Plandiura.
Es el más divertido de todos los carteles de la muestra. Genial.

Ethel Reed. The House of the Trees and other Poems. 1895. Litografía en colores, 45,4 x 23,8 cm.
Colección Riquer.
Aparece una delicada imagen de una mujer con el libro. Me gusta las tonalidades de verdes que utiliza. Una de las pocas mujeres en la exposición.

Pero si os llama mínimamente la atención, no dejéis de ver los carteles originales.
Una exposición muy recomendable. ¡A disfrutarla!