NuriArT

He conocido el trabajo de Ernest Zacharevic a través de twitter y me parece simplemente hermoso. Tiene que ser brutal ir por la calle y encontrarte uno de sus murales. Mirad éstos. Uau!
Hasta hoy se ha podido ver la primera exposición individual que ha realizado en Europa ‘Piedra, papel, tijera!‘.

Me encanta el juego de estos niños… ¡Yo quiero!

Me ha gustado mucho cómo ha intervenido el espacio de la galería, sus paredes y los materiales que ha utilizado de soporte para sus obras (puertas, maletas, cajas, toneles, madera…), además de los ‘clásicos’ cuadros.

Muy cerquita de Montana Gallery se puede ver una de las obras que dejó en las calles de Barcelona. Desde lejos parecía que las palomas estuvieran allí… Aproximarse era inquietante.

Os dejo un vídeo dónde el artista nos habla de su camino.

¡Qué ganas de pintar en las paredes!

Hace unos días me escapé a Madrid para ver las obras de Edward Hopper que expone el Museo Thyssen-Bornemisza. Una delicia que tengo que repetir.

Ha sido un lujo poder ver 73 obras de este artista en un mismo sitio. Dos horas de contemplación, en medio de un gran bullicio. La audioguía ayuda, pero esta exposición guiada debe de ser tremenda.

Este artista es la bomba, nunca había visto otro igual en pintura. Rompe con todo… sus obras parecen fotografías. Las perspectivas, los encuadres, la composición, la iluminación… ¿Qué nos muestra? Cada obra da pie a dejar volar la imaginación e inventarte su historia. Una maravilla para los sentidos.

Hopper tuvo que dedicarse a la ilustración comercial para vivir (muestran un vídeo con las portadas de revistas que hizo), a pesar de no gustarle mucho. A él le apasionaba pintar, pero fueron sus grabados (1918-1923) los que tuvieron éxito en New York. Manet i Rembrandt fueron sus referentes.

La primera exposición individual (1925) fue de sus acuarelas. Y tuvo un gran éxito, ya que vendió toda la obra expuesta. Este hecho le permitió abandonar su trabajo como ilustrador y se dedicó exclusivamente a la pintura.

Las escenas que pinta, tan cotidianas… el ambiente que crea hace que parezca que estés viendo una película.

La luz tiene un gran protagonismo en todas sus pinturas, ya sea por su ausencia o por su focalización. No sé como explicarlo. Cuando miro sus cuadros tengo que retroceder unos pasos, coger distancia y observarlos de nuevo. Y si los miras desde diferentes perspectivas… cambian. Están vivos.

¡Cuántas historias sugeridas! Me encanta quedarme quieta en un sitio y observar lo que ocurre allí mismo, el ir y venir de la gente, ver como cambia la luz… y las sombras. Me encanta desayunar de pie en la cocina, observando los movimientos afuera, desde mi ventana. Y los cuadros de Hopper son para mi como estos ratos en que mi mente se pregunta quién serán, a dónde irán, cómo son… Un misterio lleno de posibilidades.

Eché de menos ‘Nighthawks’, que todavía no he podido ver. Habrá que ir a Chicago…

Si eres ‘cotilla’, no te la pierdas. Si disfrutas con el arte, imprescindible.

Una casa en medio del mar, sueños en sus profundidades… De Profundis es un poema visual, una delicia para los sentidos.

Miguelanxo Prado ha creado una historia preciosa sin necesidad de palabras. Sus dibujos los ha acompañando de la música ‘Sonos de Auga‘ compuesta por Nani García que te envuelve en este maravilloso paseo por aguas saladas.

Si quieres viajar al fondo del mar, conocer sus habitantes, vivir el sueño de un pintor que quería ser marinero, una historia de amor… Con pausa, dejando que la música te invada acercándote a un mundo submarino… Y finalmente salir a la superfície, ver cumplido un sueño, una despedida, magia…

Los dibujos de Miguelanxo son espectaculares, la expresión de los rostros, los colores… Hay que ver los extras del DVD para conocer su proceso creativo. ¡Qué currada! Una obra de autor de dos años de trabajo y más de 40.000 dibujos. Sus libretas de apuntes son una obra de arte en sí mismas.

Hay quien dice que es una historia triste. Según con qué corazón la mires… Yo encuentro que es una historia bellísima y el final una preciosidad.

Y todo esta historia empezó en el mantel de papel de un bar, cuando Miguelanxo dibujó a un ahogado junto a un cetáceo.

¿Qué tendrán las ballenas? Me fascinan.

Me hubiese encantado ver De Profundis en un cine de pantalla gigante y con sonido espectacular…

Os muestro mi primer Sumi-e. Lo hice en el taller al que hace poco asistí, impartido por Hsiao Lin Liu, en la escuela de arte DAVINCI.

En la pintura sumi-e tiene gran importancia expresar el sentido del vacío y de la plenitud. Con esta técnica aprendemos a captar la esencia de la naturaleza con la mente y el corazón, transmitiéndola a través de los cuatro tesoros: pincel, tinta, tintero y papel.

En el taller empecé a conocer estos tesoros de estudio y como manejarlos. Hsiao me enseñó a dibujar bambú, que simboliza humildad, valentía y juventud. Primero empezamos por la caña del bambú, luego sus nudos, las ramas y finalmente, para mí es lo más complicado, las hojas.

Cuando ves a Hsiao Lin Liu como maneja el pincel… Parece tan fácil. Pero nada parecido, realmente has de estar contigo en todos los sentidos para que fluya el movimiento hasta el pincel, llegar a controlar el agua, la tinta y conocer el papel. Es todo un arte.

¿Me atreveré con las orquídeas, ciruelos, peces y gambas?

Mira por donde he visto 78 obras de otro de los llamados fauvistas,  esta vez en el Museu Picasso de Barcelona.
El artista, de Rotterdam: KEES VAN DONGEN.

Sobre estas líneas, una parte de la monumental tela tachista A la Galette (1906) que fue dividida en seis cuadros independientes y de los que solo pudimos ver tres. Me llamó la atención su composición, además de los colores. También la composición de Paraguas o Cuatro personas dándose prisa bajo la lluvia (1903), y la sensación de movimiento que produce.

Este holandés oscuro, se estableció en París donde fue iluminando su obra. Por un tiempo tuvo que dejar la pintura por problemas económicos y se dedicó al dibujo y a la ilustración, participando en revistas. Allí estableció amistad con Picasso y compartió modelo, Fernande Olivier, a quien retrata.

Destacaría los retratos de las mujeres, realizados en París (inicialmente a prostitutas y luego a grandes personalidades) y en sus viajes por Andalucía. También los colores contundentes, especialmente los rojos, de su autoretrato fauvista.

El óleo en tela de casi 2 metros cuadrados, El tango del arcángel, y que acompaña estas líneas es espectacular.

Han tenido que pasar muchos años para que la obra de Kees Van Dongen vuelva a Barcelona, desde su exposición individual en la Galería Dalmau en 1915.

Este año es el 50º aniversario del Solomon R. Guggenheim Museum de New York. Por allí estuve una tarde lluviosa de junio, rodeada de demasiada gente.

Lo celebran con una exposición del creador del espacio Frank Lloyd Wright: From Within Outward. En un paseo por la espiral mareante, se muestran 64 proyectos diseñados por el arquitecto, a través de dibujos originales, maquetas y animaciones digitales. Algunos de ellos nunca llegaron a hacerse realidad.

El diseño de alguna de sus obras es alucinante. Sin tener nada que ver aparentemente con el entorno, no desentonan y logra que formen parte de él. A pesar de todas sus geometrías y desniveles a los que no estoy habituada, me transmite simplicidad y serenidad.

También pude ver The Sweeney Decade: Acquisitions at the 1959 Inaugural con obras de Pollock, Ernst, Tàpies y Chillida, entre otros.

Pero los artistas que más me gustaron del museo fueron Marc Chagall, Amedeo Modigliani y Fernand Léger.

Y la exposición más sorprendente fue A Year with Children 2009, en la que se mostraban los trabajos de los estudiantes de primararia que participaron en Learning Through Art (LTA), un programa en el que fomentan sus habilidades para describir e interpretar el arte mientras están inmersos en su proceso creativo. En respuesta a unos temas y cuestiones que se les plantea, los estudinates exploran materiales y crean su arte. Había obras de todo tipo (dibujos, esculturas, técnicas mixtas…) y algún que otro proceso de creación.

¡Qué afortunados! Han podido ver expuestas sus creaciones en el Guggenheim.

Al pasear por la exposición Tutankhamón – La tumba y sus tesoros, me entraron unas ganas terribles de volver a Egipto.

El tesoro funerario del faraón Tutankhamón se muestra ante nosotros tal y como fue encontrado por  Howard Carter en 1922, quien dijo: Al entrar por primera vez en una habitación como ésta, cuya intimidad no ha sido violada por más de treinta siglos, el intruso siente cierta reverencia, o incluso temor.

La muestra contiene reproducciones a escala original, únicas en el mundo, de tres de las cuatro cámaras funerarias de Tutankhamón.

También se pueden contemplar más de 1.000 réplicas de piezas del ajuar funerario, llevadas a cabo por unos 100 artesanos egipcios siguiendo las técnicas tradicionales. Un trabajo muy laborioso y digno de reconocimiento.

A nivel artístico, el Antiguo Egipto fue asombroso y de una belleza delicada que contrasta con el tamaño de sus monumentos. Algún día os hablaré del arte milenario que se conserva en Egipto.

Si estás mínimamente interesado en el arte del Egipto de los faraones, hay que pasar por el Museu Marítim de Barcelona y dejarse llevar.

Una recomendación, haced la visita a primera hora. Pasada una hora, la cantidad de gente que dejan entrar hace que no puedas disfrutarla.

Crucé andando el East River desde Manhattan por el primer puente en suspensión del mundo construido en acero. Quería visitar Dumbo, el barrio de Brooklyn donde vivían y trabajaban los artistas en los años sesenta.

En Dumbo, además de disfrutar de parques con vistas espectaculares como el Brooklyn Bridge Park, también es un lugar donde encontrar arte. No pude entrar en Dumbo Arts Center (DAC) ya que estaban preparando una exposición. Pero visité algunas de las 14 galerías de 111 Front Street Galleries.

La primera cooperativa para mujeres artistas en Estados Unidos está allí, AIR Gallery (Artists in Residence) que fue fundada en 1972.

Allí encontré la obra “I love you. Yes you. I really, really love you. You too” de Monica Carrier. Me gustó especialmente por la cantidad de detalles que encuentras al observarla de cerca.

También destacaría los dibujos “Rock Stars” de Barbara Siegel y su manera de presentarlos en “Stone Books #1-5” y “Forty-Eight”.

Y en Randall Scott Gallery, las fotografías “In between” de Julia Fullerton-Batten que parece haber detenido el tiempo en un momento de suspensión.

Brooklyn es un distrito de New York muy conocido a través del cine y la literatura, donde parece ser se estan produciendo grandes cambios. Pero en sus calles del Centro, Dumbo y Brooklyn Heights, no había la vidilla artística que esperaba encontrar…

¿Qué es el fauvismo? Le pregunté a SkiZ.o ante la entrada a la exposición Maurice Vlaminck, un instinto fauve, en el Caixa Forum de Barcelona. Al observar las primeras pinturas, lo captas al instante. Fauve significa fiera en francés.

Se podría decir que el fauvismo es una explosión de colores, vivos y puros, en una pintura libre y rápida. Tuvo lugar en un breve periodo de tiempo, entre 1904 y 1907.

Esta exposición muestra las pinturas de Maurice de Vlaminck entre los años 1900 y 1915. En ella se puede apreciar la evolución estilística del artista. También se expone su escultura negra y su obra en cerámica.

Algunas de sus pinturas te recuerdan a Cézanne y otras a Juan Gris o Braque.
Las que más me han gustado son las que escenifican pueblos, tanto por el uso del color como por el uso de la perspectiva.

Vlaminck, un artista desconocido para mí y del que ha valido la pena poder ver sus pinturas colgadas en una pared y además con acceso libre. ¡Disfrutadlas!

Chelsea es el barrio de la ciudad de New York donde se concentran el mayor número de galerías de arte, es decir, un lugar de perdición.

Allí pasé parte de mi primer día en la ciudad, entre las avenidas 10th y 11th, recorriendo las galerías desde la calle 27th hasta la 20th, entre otros lugares.

Me gustó la idea que cada piso de cada planta de un edificio fuera un lugar para el arte. En la 547 West 27th Street entré en todos los que estaban abiertos (6 pisos).

En el espacio artístico de Aperture Foundation, fundación dedicada a la fotografía, me gustó la obra expuesta de Charles Lindsay con sus experimentales Carbon Soundscapes y la fotografía en blanco y negro Charis (1936) de Edward Weston.

Sputnik Gallery es una galería que expone fotografía rusa contemporánea. Presentaba Children’s project de Irina Davis, una serie de retratos de niños en orfanatos. Irina nos acerca a esas criaturas abandonadas de una manera muy sencilla, con luz natural, minimalista y sin caer en los tópicos.

En Montserrat Contemporary Art Gallery me encontré con los espectaculares mundos de Andy Thomas.

Y pude ver Paula pictures, los retratos de Hendrik Kerstens, en Witzenhausen Gallery. Son fotografías que hace a su hija en diferentes situaciones. Me llamó la atención el parecido con los retratos de Vermeer y el atrezzo utilizado. Kerstens también participa en la exposición Dutch Seen: New York Rediscovered, en el Museum of the City of New York.

Y por último, en M.Y. Art Prospects, destacar los curiosos árboles pintados de Takako Azami. Entre otras, Oaklander books estaba cerrada…

Únicamente me quedaron por ver unas 200 galerías de arte y me faltó asistir a una fiesta de apertura de una exposición en Chelsea.
Tendré que volver 😉