NuriArT

El pasado fin de semana tuvo lugar la tercera edición del popular Encuentro de Fotobloguers Europeos en Berlín. Barcelona Photobloggers estuvo allí, con Alfonso, Fran, Óscar y la que escribe, Núria. Nos reunimos con foteros de diferentes ciudades europeas: Berlin, Stuttgart, Dusseldorf, Dortmund, Bonn, Bern, Bassel, Stockholm, Amsterdam, London, Isle of Mann y Bucharest. En este enlace puedes ver los links que te llevarán a sus fotos. Aquí os dejo la foto de grupo que nos hicimos delante de la Puerta de Brandenburgo.

Pasamos un par de días recorriendo las calles berlinesas, disparando nuestras cámaras… un grupo de desconocidos que nos unía el interés por la fotografía.

El viernes pasado, los organizadores nos dieron la noticia: Barcelona ha sido la ciudad escogida para acoger el próximo Europe Photoblogger Meetup en 2008.

¡ENHORABUENA Barcelona Photobloggers!

En Muros hablados iré colgando todos los muros parlantes que me encontré en Berlín, incluido los del MURO que han dejado en pie. Aquí, el primero de ellos.

¡Impresionante!
Dan Dunn’s Paintjam es todo un espectáculo de arte en directo. Unos botes de pintura, unas brochas, sus manos, movimiento al ritmo de la música y en pocos minutos un resultado asombroso. Parece magia.
En el siguiente vídeo veréis un pedazo de artista en acción, Dan Dunn.
Lo descubrí vía Keaton.

La exposición Asian Portraits del fotógrafo Pierre Gonnord, tuvo lugar en Casa Asia el pasado 2006. Como me gustan los retratos y la fotografía, me pasé por allí.

En ella nos mostraba una selección de 27 fotografías de retratos de la serie dedicada a personas asiáticas, identificados en su mayoría con la marginalidad.

Gonnord comienza a fotografiar retratos en 1999. La serie asiática la inicia en 2001 en New York y finaliza en 2005 en París. La mayor parte de los retratos expuestos, son de su larga estancia en Japón en el año 2003.
Las personas que retrata son desconocidos, transeúntes que descubre en la calle o en cualquier lugar público de allí donde esté.

Los retratos son de gran formato y casi cuadrados. Suelen ser de medio busto. Pero a veces, aparece el cuerpo entero, sea individual o en grupo. Son impactantes, tienen mucha fuerza. Quizás por la luz directa, los cuerpos posando, esos rostros aparentemente inexpresivos, fríos, o esas miradas contundentes… no sé, son arrogantes y a la vez frágiles.

Te quedas quieta, en silencio, plantada delante de cada uno de ellos. Las miradas son intensas… te encuentras mirándote en sus ojos.
Está retratando su interior y hace que salga el tuyo… Introspección.
Hace que la quietud entre en tí y formes parte de ellos. Te preguntas quiénes son, quieres saber más.

Son retratos de una gran belleza.

También pudimos ver un vídeo editado en 2005 por el programa La Mandrágora de TVE, donde Pierre Gonnord explica su proceso de trabajo en tres sesiones fotográficas que realiza en Madrid. Interesante verle en acción.

No os podéis perder SkiZ.o.Site, la creatividad y el humor son desbordantes.
SkiZ.o.Site nació el pasado 21 de junio con una pregunta desafiante a un ácaro.

SkiZ.o nos ilustra la vida casi a diario con su variedad de personajes: pajarito adicto a la colaloca, diablillos, rubias mutantes, alien, florecillas “silvestres”, e-VilWoman, tiburón y otros animalillos diversos en su esencia, ángel, vampiresa mujer y muchos más. La protagonista principal, sin dudarlo, SkiZ.o. Aunque comparte este lugar con el adictivo Chocolate.

Nos pasea por lugares como: Wonderland, the beach, el sueño de la razón, the dark side of the moon, el espacio exterior, su casa, la jungla… Y comparte un montón de sensaciones de su día a día.

También nos sorprende con sus giños a obras de arte muy conocidas de grandes creadores como Munch, Goya…

¿Quién es SkiZ.o? Descubridlo vosotros mismos. Entrad en su mundo.

SkiZ.o, gracias por compartir tus creaciones. 😉

Finalmente pude asistir a la última visita comentada de la exposición William Hogarth. Retrato de la sociedad del siglo XVIII que tuvo lugar en CaixaForum Barcelona. Se trata de la primera retrospectiva sobre William Hogarth (1697-1764), el pintor inglés más importante del siglo XVIII, organizada en España.

Mercè, la guía, nos explicó curiosidades del artista y su entorno que nos hizo entender mejor su obra.
Gracias a él y su empeño por mostrar su arte, la pintura inglesa pasó a ser conocida a partir de entonces, incluso por los mismos ingleses. Él mismo hacía publidad de su obra a través de carteles en la entrada de su taller.
Fue un artista al que le falsificaron muchos de sus grabados al instante de ponerlos a la venta, incluso antes. Por este motivo se creó la Ley Hogarth, que protegía los derechos del grabador.
Quiso hacer llegar su obra a más gente, abaratando los costes de producción (cambió la plancha de cobre por madera).
Llegó a hacer versiones de un mismo óleo, La ópera de los mendigos, por el gran éxito que tuvo la obra de teatro. Todo el mundo quería tener la escena más representativa.

A través de sus grabados y óleos nos muestra la sociedad inglesa del momento de una manera crítica. Puso al descubierto la vida de las clases altas hasta llevarlas al ridículo. Presentó unas calles de Londres donde vivían prostitutas, ladrones, asesinos, alcohólicos y niños hambrientos, denunciando la situación tal y como era (otros pintores la suavizaban e incluso la enmascaraban).

Pero no sólo cabe destacar lo que cuenta a través de su obra, sinó también cómo lo cuenta: el uso de la luz en sus pinturas, la introducción de los perros como reflejo de los personajes representados, el uso de series para narrar la historia desde el inicio hasta el final, las parejas de obras “antes” y “después” (lo que ocurre entre ambas lo deja a la imaginación del espectador), escenas complejas con variedad de detalles y cargadas de simbolismos, etc. Una manera muy original e ingeniosa para expresarse y reflejar la actualidad de una manera crítica y también satírica.

¡Muy cachondo el tal Hogarth!
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Santiago Rusiñol (1861-1931), pintor, cartelista y autor teatral, es una de las personalidades más polifacéticas de la historia del arte catalán. Dentro de los actos que se realizan en el Año Rusiñol, en conmemoración del 75º aniversario de la muerte del artista (nunca entenderé porqué se celebra el aniversario de la muerte y no el del nacimiento), el MNAC reune 30 de sus dibujos en la exposición temporal Dibujos de Santiago Rusiñol del Museo Nacional de Arte de Catalunya.

Destacaría los retratos. Parecen una crónica social. De hecho, algunos fueron publicados en periódicos. En 1891 conoció a Erik Satie en París y lo retrató tocando el armonio. En 1895 dibujó al pintor Pere Ferran y al escultor Cales Mani. La escena donde los representa no tiene desperdicio. Descubridla vosotros mismos.
¿Así es como se sentían los artistas en la soñada París?

Solo quedan unos días, hasta el 20 de agosto, para entrar en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid y ver la exposición Lo[s] Cinético[s].
Se muestran 80 obras de 45 artistas del mundo que a través de diversas técnicas y jugando con todas las posibilidades, además de una fuerte dosis de creatividad, crean movimiento. Tenemos la oportunidad de presenciar el cinetismo del siglo XX.

La obra que más me gustó ver, ya que todavía no he visitado New York, fue la Madonna (1958) de Salvador Dalí, que viajó desde The Metropolitan Museum of Art. Obviamente, en la foto no se puede apreciar este arte cinético.

Otro óleo sobre lienzo, pero esta vez de Jean Pierre Yvaral, es la Marylin Numerisée (1994). Del mismo autor podemos ver el retrato Dalí Nimerisé-D59 (1978).
Geniales, jugar con la distancia de observación hace que descubras lo que tienen “escondido”.

Cuando veas la instalación Penetrable (1982) de Jesús Rafael Soto, no podrás resistir la tentación de entrar en ella y pasear en su interior. ¿Qué sientes?

Encontrarás mucho más arte en movimiento y para todos los gustos.

Por cierto, ¿eres un artista cinético?

En el Museu Nacional d’Art de Catalunya podemos ver, hasta el 30 de septiembre, la exposición El Cartel Moderno en las colecciones del MNAC. Nos muestran una selección de 100 carteles modernistas, de los más de 600 que forman parte del fondo del Gabinete de Dibujos y Grabados del MNAC y que fueron adquiridos en el año 1903 a Lluís Plandiura y en 1921 a Alexandre de Riquer, dos apasionados del coleccionismo.

Una oportunidad única para ver estos carteles originales. Destaca la presencia de representantes del cartelismo europeo, como Alphonse Mucha, Jules Chéret, Théophile Alexandre Steinlen, Henri Meunier o Henri Provat-Livement, entre otros.
Es un recorrido por la historia del cartel moderno. La mayoría de las obras son próximas a 1900, momento de la eclosión del cartel como medio de expresión artística. Hay que tener en cuenta que estos carteles se concibieron para una función publicitaria y se han convertido en auténticas obras de arte.
Algunos llaman la atención por los motivos, otros por la viveza de los colores y algunos por su gran tamaño.

La técnica litográfica nació en 1796, con la intención de abaratar costes y ser más rápidos en la ejecución. Esta técnica evolucionó a la cromolitografía, que permitía la incorporación de varios colores y obtener medidas mayores. A partir de 1880 empezó a tener una gran difusión en su aplicación en los carteles.

Os dejo una muestra de los carteles que más captaron mi atención:

Henri Meunier. Thé Rajah. 1897.
Litografía en colores, 63 x 80 cm. Colección Plandiura.
El borde blanco en la figura produce el efecto de que la mujer está tomado el té aquí, contigo.
Se sale del cartel, le da profundidad a la escena.

William Henry Bradley. The Inland Printer. July 1894. 1894.
Litografía monocroma, 31,4 x 23,7 cm. Colección Riquer.
Tiene demasiados detalles, incluso puede parecer recargada. Pero no, los reflejos en el agua, incluso de lo que no ves… es lo mejor.

Alphonse Mucha. Carriage Dealers. 1902.
Litografía en colores, 106 x 51 cm. Colección Plandiura.
Los carteles de Mucha, son diferentes, espectaculares. Además son los primeros que ves al entrar en la exposición.

Henri Privat-Livemont. Palais de les Femme. Exposition de 1900. 1900. Litografía en colores, 109,2 x 82,5 cm. Colección Plandiura. La representación de la figura humana es de una gran exquisitez y delicada en sus colores.

Charles Louis Hinton. Harpers’s Bazar. 1896.
Litografía en colores, 42,3 x 29,3 cm. Colección Riquer.
Lo que más me llamó la atención de este cartel fue lo impactante del color naranja, se salía del papel.

Aleardo Villa. Cigarrillos París. 1901. Litografía en colores, 126 x 93,5 cm. Colección Plandiura. El rostro de la mujer parece real, como una fotografía, destaca del resto del cartel. Muy curioso.

Adolf Hohenstein. A. Calderoni Gioielliere. 1898. Litografía en colores, 164 x 97,5 cm. Colección Plandiura. El tamaño, los colores, la vida en la calle fuera de la escena principal… y ese demonio blanco, lo hacen especial.

William True. Nestle’s Swiss Milk. 1901 o anterior.
Litografía en colores, 50,8 x 31,8 cm.
Colección Plandiura.
Es el más divertido de todos los carteles de la muestra. Genial.

Ethel Reed. The House of the Trees and other Poems. 1895. Litografía en colores, 45,4 x 23,8 cm.
Colección Riquer.
Aparece una delicada imagen de una mujer con el libro. Me gusta las tonalidades de verdes que utiliza. Una de las pocas mujeres en la exposición.

Pero si os llama mínimamente la atención, no dejéis de ver los carteles originales.
Una exposición muy recomendable. ¡A disfrutarla!

El mayor museo in situ de China es el del ejército de terracota del emperador Qin Shihuang, en las proximidades de Xi’an. Se considera la “octava maravilla del mundo” y desde 1987 es Patrimonio Cultural de la Humanidad.
Realmente es una maravilla ver semejante ejército a tamaño real. Más de 20.000m2 de superficie y de 8.000 figuras, entre guerreros y caballos. No me extraña que muchos de los artistas dedicasen toda su vida a ello.

Se trata de la guardia del mausoleo que Yin zheng (259 a.C.), fundador del gran Imperio Qin y primer emperador chino, mandó construir a los 13 años.

En 1974 unos campesinos del pueblo de Siyang se encontraron con semejante obra de arte cuando buscaban agua para combatir la sequía. Uno de estos campesinos se dedica a firmar el libro Despertado el ejército de terracota Qin en el museo.

Si visitas la ciudad de Xian, además de su muralla, no puedes perderte un paseo recorriendo su barrio musulmán y entrar en La Gran Mezquita (año 742).

El arte de crear los guerreros de terracota
Se construían a tamaño natural, pieza a pieza.

Cada figura es diferente. Los autores tenían que dejar su nombre en la obra “para comprobar su fidelidad”. Hay diferentes calidades, según los talleres originales.
Primero se escoge y se lava la tierra-loess, se mezcla con caolín y con arena para hacer una buena masa.
La figura humana se hace de abajo a arriba. Primero una plataforma de base, luego los pies y las piernas, el cuerpo hueco y los brazos. La cabeza y las manos se hacen aparte y luego se unen al cuerpo.
Se secan a la sombra, se cuecen en buenos hornos a 950-1050ºC y se pasa a policromar (rojo, verde y púrpura).

Las pinturas, después de 2.200 años enterradas y al contactar con el aire fresco, se secan o se pierden porque se descompone la capa orgánica adherente que les sirve de base.

Todavía quedan muchas zonas por desenterrar, esperando nuevas tecnologías para evitar que los colores se descompongan al entrar en contacto con el aire.
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En mi corta y calurosa visita a la ciudad de Cádiz, pude visitar su Museo. Coincidí con la exposición Obra gráfica contemporánea del Museo de Cádiz. En ella se exponían 36 grabados, obra contemporánea de los Premios Nacionales de Artes Plásticas desde 1980 a 1985, en homenaje a los premiados entonces.

Sumergida en mi ignorancia del mundo artístico, desconocía la existencia de tales premios.

Pude leer que fueron creados en 1980 por el Ministerio de Cultura para reconocer la labor de los artistas más destacados a nivel nacional en el ámbito de la creación plástica.

En 1986 fueron expuestas estas obras, por primera vez, en el Museo Español de Arte Contemporáneo de Madrid. Y ahora, después de 21 años, el Museo de Cádiz nos las ha mostrado.

Pude disrutar de los trabajos realizados por: Manuel Boix, Juan Manuel Caneja, Albert Ràfols Casamada, Luis Gordillo, Joan Hernández Pijuan, José Hernández, Eduardo Arroyo, Rafael Canogar, Josep Guinovart, Alfonso Fraile, Lucio Muñoz, Manuel Valdés, Darío Villalba, José Caballero, Juan Genovés, Manuel Mompó, Juan Barjola y Guillermo Pérez Villalta.

Me ha llamado la atención que no haya ninguna mujer. Este hecho sigue resultándome, como poco, curioso.

Os dejo una muestra, los que más me llamaron la atención y me retuvieron en el caluroso museo.

¡Hasta el próximo encuentro con el arte!

Fotografías de Fran.